Casablanca

Publicado en Cine por paulava 7:41 pm Martes, 3 Junio 2008

Rick e IlsaEsto es uno de los párrafos que aparece en la Wikipedia sobre “Casablanca”:

En su tiempo el filme tenía todo para destacar ampliamente, con actores renombrados y escritores de primera, sin embargo ninguno de los involucrados en su producción esperaba que éste pudiese ser algo fuera de lo normal. Se trataba simplemente de una de las docenas de producciones anuales de la maquinaria hollywoodense. “Casablanca” tuvo un inicio sólido pero no espectacular y, sin embargo, fue ganando popularidad a medida que pasó el tiempo y se fue colocando siempre entre los primeros lugares de las listas de mejores películas. La crítica ha alabado las actuaciones carismáticas de Bogart y Bergman y la química entre ellos, así como la profundidad de las caracterizaciones, la intensidad de la dirección, el ingenio del guión y el impacto emocional de la obra en su conjunto.

¿Qué es lo que tiene “Casablanca” para ser considerada una de las mejores películas de la historia? Pues nada en especial, o lo que es lo mismo, que todos sus elementos estén en perfecta consonancia.

Os dejo un fragmento de un debate acerca de la película de un programa de televisión que presentaba el director de cine José Luis Garci, llamado “Qué grande es el cine”. Programaban grandes películas y luego “sesudos críticos” hacían un debate sobre ellas. Es un poquito largo, y no lo necesitarás para realizar el trabajo que te propongo, pero te resultará muy interesante.

Algunas curiosidades sobre “Casablanca” son:

Bergman sobrepasaba por casi cinco centímetros a Bogart, por lo que el director Curtiz tuvo que elevar al actor sobre ladrillos o sentarlo sobre cojines en las escenas en las que aparecían juntos.

Los contratiempos alcanzaron al productor cuando decidió, tras haber terminado el rodaje, que la línea final de la película sería: «Louis, pienso que éste es el comienzo de una bella amistad». Bogart tuvo que ser llamado un mes después de finalizada la filmación para doblar la frase.

La Bergman lagrimeandoUna mención especial merece la fotografía de Ingrid Bergman, en la que se puso especial cuidado. Ingrid fue fotografiada casi siempre en su perfil izquierdo, perfil preferido por la propia actriz, y en muchas ocasiones se aplicaba un filtro suavizador de tipo gaussiano y con “catch lights” para hacer que sus ojos destellaran. Estos efectos fueron diseñados para proporcionar a su rostro una apariencia «inefablemente triste, tierna y nostálgica».

La música fue escrita por Max Steiner, compositor que había saltado a la fama por haber sido el artífice de la música de la película “Lo que el viento se llevó”. La canción “As Time Goes By” de Herman Hupfeld había sido escogida para formar parte de la obra de teatro original, y Steiner tenía previsto reemplazarla por una obra propia. Sin embargo, cuando el compositor quiso crear su propia obra para remplazarla, se encontró con que Ingrid Bergman ya se había cortado el cabello para protagonizar su siguiente papel cinematográfico (María, en “Por quién doblan las campanas”), por lo que no se podían volver a rodar las escenas en las que aparecía la canción. Por otra parte, cuando se estrenó la película la canción gozó de un resurgimiento que la posicionó 21 semanas en los primeros puestos de las listas de éxitos. Así que Steiner basó por completo la música de la película en dicha canción y en La Marsellesa, el himno nacional francés, transformándolos para que reflejaran diversas situaciones.

CarátulaOtro de los rumores famosos sobre la película es aquel que afirma que los actores no supieron hasta el último día de filmación cómo terminaría la historia. De hecho, la obra original (que por cuestiones técnicas se desenvuelve por completo dentro del Café) terminaba con Rick enviando a Ilsa y a Víctor hacia el aeropuerto. Durante la adaptación del guión se discutió la opción de hacer morir a Laszlo en Casablanca, lo que hubiera permitido que Rick e Ilsa volaran juntos, pero el final de la historia está hecho para que haya un giro oportuno en el momento en que Rick la envíe en el avión con Víctor. Entonces así, haciendo eso, no sólo está resolviendo el triángulo amoroso. Está forzando a la chica a estar a la altura del idealismo de su naturaleza, obligándola a cargar con el peso de un trabajo que en estos días es más importante que el amor entre dos personas insignificantes».
Hubiera sido ciertamente imposible presentar una Ilsa que dejara a Laszlo por Rick, pues el código estadounidense de producción cinematografica de 1930 prohibía exhibir a una mujer dejando a su marido por otro hombre. La disputa como tal no era, pues, sobre si Ilsa se iría con Laszlo, sino sobre cómo esta solución podía ser resuelta en el guión. Así que es posible que el rumor se propagase a partir de un afirmación de Ingrid Bergman en la que dijo que ella no sabía de qué hombre tenía que enamorarse.

Estos son los ejercicios que debéis hacer:

1. Consulta en la siguiente dirección:

http://www.cinemaieti.com/especials/bogart/casablanca/rickscafe_cas.htm

algunas de las mejores frases de “Casablanca”. Razona porqué se considera el guión de esta película como uno de los mejores de la historia en cinco líneas.

2. El capitán Renault, y a veces el propio Rick, es “ambivalente”. Explica qué significa esto en cinco líneas.

3. ¿Qué papel tiene la música en el desarrollo de la historia? (Contéstalo en cinco líneas)

4. ¿Qué características tiene Rick para ser un héroe? ¿Y Victor Lazslo? ¿Crees que Ilsa Lazslo tiene un papel activo en la trama? (Todo ello, en sólo cinco líneas)

La gran evasión

Publicado en Cine por paulava 1:26 am Miércoles, 28 Mayo 2008

Pillado

“La gran evasión” ha sido el filme escogido para representar un género cinematográfico muy particular: el cine bélico. Sin embargo, esta película puede calificarse también fácilmente de cine “de aventuras”, ya que, aunque ambientada en la II Guerra Mundial y basada en hechos reales, lo cierto es que el relato se centra en la fuga de una prisión y de todas las argucias que usan los presos para salir de ella… sean estos militares o no, importa realmente poco. De hecho, una de las mayores críticas que suele hacerse a “La gan evasión” es su falta de verosimilitud en las condiciones del campo, quizá demasiado benévolas, y la sensación demasiado evidente de que los alemanes son bastante tontos.

Sin embargo, dejando a un lado, las críticas, también es un gran ejemplo de película coral: no existe un rol protagonista fácilmente reconocible, podríamos decir que si haMacQueen haciendo de las suyasy un protagonista sería la propia fuga… En este sentido, la estructura de “La gran evasión” es ejemplar: una presentación de los personajes es seguida por el “nudo” de la historia, donde todos aúnan sus esfuerzos para diseñar la evasión. En el desenlace todos los participantes vuelven a dispersarse, se cuenta cada una de las historias de los personajes, conviertiéndose en un montón de finales pequeños, casi como un muestrario donde podemos quedarnos con nuestro preferido.

A continuación os narro algunas curiosidades interesantes acerca de la película, sacadas de la página tepasmas.com:

- El jefe de producción de la Metro-Goldwyn-Mayer, Louis B. Mayer, rechazó un primer proyecto para realizar la película en 1950 por considerar que una fuga donde sólo tres oficiales habían conseguido realmente huir no tenía nada de “grande”.

- Uno de los oficiales, C. Wallace Floody, ingeniero de minas antes de la guerra y uno de los principales responsables de la construcción de los túneles dejó a un lado su vida de hombre de negocios para dedicarse a asesorar la pre-producción de la película. Fue él quien dio su visto bueno a los exteriores cercanos a Munich donde se rodaron muchas de las escenas de la película por considerarlos bastante similares a la zona de Sagan, donde se encontraba el auténtico Stalag Luft lll, aunque en el momento del rodaje esta zona ya pertenecía a Polonia y la ciudad había cambiado su nombre por el de Zagan.

- La película fue enteramente filmada en Europa, en un campo completo similar a la construcción del Stalag Luft III cerca de Munich, Alemania. Los exteriores de las secuencias de fuga se rodaron en Rhine Country y en areas cerca del Mar del Norte, y las escenas de motocicleta de McQueen se rodaron en Fussen (en el borde Austricaco) y en los Alpes.

- En la famosa escena en la que Steve MacQueen es perseguido por los nazis en moto,el propio MacQueen no necesitó dobles, simplemente él mismo hizo tales escenas,debido a que MacQueen era un apasionado del motor.

- El falsificador casi ciego fue interpretado por Donald Pleasence, que fue piloto en la II Guerra Mundial y, capturado por los alemanes, tuvo la experiencia real de vivir en un campo de prisioneros alemán.

Aquí tienes las actividades que te propongo sobre esta película:

1. Lee en el siguiente enlace

http://www.pegatiros.com/reportajes/2a_guera_mundial/la_gran_evasion.htm

la historia en que se basa “La gran evasión”. Indica en cinco líneas algunas diferencias entre la película y la verdadera historia.

2. Las virtudes de una película coral es que cada uno se queda con el personaje que le resulta más simpático. ¿Cuál escoges tú? ¿Y cuál es el final que te ha parecido más interesante? (escríbelo en cinco líneas)

3. Busca el reparto del filme en Internet (en cualquier ficha técnica) y encuentra el personaje que has escogido en la pregunta anterior. Haz una breve semblanza en cinco líneas.

4. Busca un listado de diez películas bélicas y escoge una de ellas para hacer una breve sinopsis de cinco líneas.

Con faldas y a lo loco

Publicado en Cine por paulava 10:34 pm Martes, 20 Mayo 2008

El final 

La pareja perfectaNadie es perfecto… uno de los mejores finales de la historia del cine, teniendo en cuenta que la película está ambientada en 1929 y su año de estreno fue 1959, aún resulta mucho más sorprendente y conmovedor.

  • ¿Qué significado crees que tiene la frase final? (mínimo 3 líneas)
  • Si te das cuenta, se trata de un final ambiguo, cada uno puede quedarse con la idea que más le convenza… Recuerda algún otro final de película “ambiguo”, hay muchos, y algunos muy buenos. (mínimo 2 finales)

El guión

El guión de “Con faldas y a lo loco” está considerado como un ejemplo de comedia ácida, con diálogos agudos y llenos de gags.

  • Escoge la frase (aparte de la de “Nadie es perfecto”) que te haya parecido más graciosa y explica porqué. (mínimo 3 líneas)

El reparto

Escucha el comentario que el programa de cine “Lo que yo te diga” realizó sobre el filme:

View this video file

  • Reflexiona sobre las críticas a la profesionalidad de Marilyn Monroe. ¿Crees que la calidad interpretativa de la actriz hubiera sido la misma si su personalidad hubiera sido diferente? (mínimo 5 líneas)
  • Jack Lemmon habla de la escena en la que narra cómo se ha prometido con Osgood como la mejor en la que nunca había participado nunca. ¿Cómo de buena la consideras y porqué? (mínimo 5 líneas)
  • La película pudo haber sido rodada en color, pero Wilder afirmó que la caracterización de Curtis y Lemmon como mujeres hubiera resultado poco creíble y chabacana ¿por qué? Investiga alguna película que haya sido hecha en blanco y negro tras la llegada del color y las razones por las que fue rodada en este formato. (mínimo 2 películas)

Cantando bajo la lluvia

Publicado en Cine por paulava 10:59 pm Domingo, 27 Abril 2008

Lee un extracto de la crítica de “Cantando bajo la lluvia” que puedes consultar en telepolis.com, junto con los comentarios que te proporcionarán aún más información: 

Obra maestra incontestable del cine musical, uno de los mejores trabajos fílmicos sobre la propia industria del cine y el más conseguido ejemplo de la traslación del cine mudo al sonoro, que maneja con habilidad y humor la gran problemática que supuso para muchas estrellas de la pantalla el salto al cine hablado, ya que tuvieron que ver aparcada su estelar carrera cinematográfica debido a su incapacidad vocal.

Una comedia musical realmente memorable (iniciada con un divertidísimo flashback contradictorio entre la imagen y la voz en off de Kelly) que posee antológicos números musicales escritos por Arthur Freed y Nacio Herb Brown y coreografiados por un siempre brioso Gene Kelly, un espléndido guión de Adolph Green y Betty Condem de diáfano basamento satírico, una fotografía de predominante cromatismo azul de Hal Rosson y una breve pero espectacular presencia de Cyd Charisse en “Broadway Rythm Ballet”, el número musical más extenso de la película, que no el más brillante (de hecho es el menos conseguido), ya que estos corresponden a la famosa danza de Kelly bajo la lluvia californiana y especialmente, al glorioso baile de Donald O’Connor interpretando la canción “Make’em laugh” (Hazles reír).

Kelly alucinando con el jabugo

La escena del baile con Cyd Charisse fue homenajeada en la popular serie de televisión “Luz de luna”, que hizo famoso a Bruce Willis. Aquí le tienes, bailando y con pelo (casi irreconocible). El decorado, el tratamiento de las luces, el vestido de las chicas e incluso la coreografía se inspiran claramente en el número de Broadway Rythm Ballet. Además, la secuencia de baile (que se presenta como un sueño de la protagonista femenina, Cybill Shepherd) cuenta una historia sin necesidad de una sola palabra… ¿me la cuentas en un comentario?

Gene Kelly es, con Fred Astaire, el bailarín indispensable de la pantalla americana. Kelly es, al mismo tiempo, creador máximo de grandes comedias musicales y coreográficas para la pantalla. 

Para que te suene un poco, aquí tienes un vídeo de Fred Astaire, la otra gran estrella de los musicales de Hollywood, cantándole a su pareja de baile Ginger Rogers la famosa “Cheek to cheek”.
Una famosa anécdota cuenta que en su primer casting el jurado encargado de seleccionar a los mejores escribió sobre él: “No actúa. No canta. Baila un poco”. Teniendo en cuenta que se convirtió en uno de los actores más taquilleros de la historia del cine, el ojo clínico de ese personaje nos recuerda a los jurados de otros programas de televisión… ¡qué metedura de pata!

Stanley Donen nació en 1924 en South Carolina (USA) y fue bailarín desde los diez años. Después de debutar en Broadway estableció pronto una fructífera colaboración con Gene Kelly, como asistente de coreografía y bailarín.Esta obra maestra del cine musical, tal vez la más famosa del género, recibió el título de su productor Arthur Freed, antes incluso de que el guión previera algún sketch musical cantado bajo la lluvia. Tanto Gene Kelly como Stanley Donen mostraron su disconformidad con ese nombre: la idea les parecía ridícula. Freed sólo argumentó dos cosas: que él había escrito esa canción y que siempre había querido hacer una película con ella; y eso bastó para imponer a la película su sketch y su título. A desgana, pues, Kelly se avino a crear su famoso número de baile, que a la postre sería lo más recordado de todo el filme.

Cartel lluvioso originalComo evidencia esta anécdota, la película tuvo como principal promotor a Arthur Freed, que fue el responsable de 40 musicales de la Metro desde que Louis B. Mayer le contrató en 1939. Justo un año antes, Freed había logrado un gran éxito -y un merecido Oscar- con Un americano en París, también interpretado por Kelly, y decidió repetir la fórmula ganadora en esta nueva cinta. Además de recurrir a este brillante actor, Freed acudió también a otras tres fuentes de inspiración:

- La primera fue un catálogo de canciones escritas por Nacio Herb Brown y él mismo entre 1926 y 1932. Ahí se incluyó, a pesar del forcejeo con los dos directores, la popularísima “Singin’ in the rain”, que ya había sido utilizada primero en una revista y después en una película de 1940: Hollywood Revue of 1929. - La segunda fue la biografía real de bastantes cineastas de Hollywood. De hecho, muchos personajes del filme están basados en personas reales de aquel entonces: Lina Lamont, la afamada actriz de voz chirriante, era un cruel retrato de Judy Hollyday interpretado por Jean Hagen; el jefe de los estudios, encarnado por Millard Mitchell, no es otro que el propio Arthur Freed; el director del musical, al que da vida Douglas Fowley, es la viva imagen del famoso Bugsy Berkeley; y el personaje de Dora Bailey, la periodista chismosa del mundo cinematográfico, es una parodia de Louella Parsons, la columnista de los periódicos de Hearst, que tanto daño hizo a Orson Welles y a su Ciudadano Kane. - La tercera y última eran las vivencias de Freed en el oficio, desde sus comienzos en el vaudeville. La trama recoge un sinfín de anécdotas auténticas vividas por los veteranos de la M.G.M. en la transición al sonoro: entre ellas, la contratación de profesores de dicción para el reciclaje de los actores, el accidentado rodaje primitivo con sonido directo, y la frustrada preview de infausta memoria, que sucedió realmente en más de un estreno. Vista desde este ángulo, Cantando bajo la lluvia es no sólo una película casi autobiográfica, sino también un documento interesantísimo de la conmoción que experimentó Hollywood en la transición al sonoro; de algún modo, es también una gran sátira -cruel y amable al mismo tiempo- de aquella histórica transformación que experimentó en América el Séptimo Arte con la llegada de los talkies. En realidad, la película se pensó inicialmente para Howard Keel, muy popular en la época; pero se adaptó a las características de Gene Kelly cuando éste se hizo cargo de la dirección y la coreografía junto con Stanley Donen. Ambos ya habían trabajado juntos en Un día en Nueva York (1949), y el personal concepto de musical que allí habían plasmado -sacándolo de los bastidores y escenarios teatrales para llevarlo a la vida cotidiana- dejó una profunda huella en Cantando bajo la lluvia. Con todo, la película no sería la misma sin la actuación de Donald O’Connor. Su acrobático “tour de force” en el famoso número “Make a laugh”, de comicidad frenética por paredes, suelos y techo, ha sido considerado por algunos como el mejor número de baile en toda la historia. Tampoco sería la misma sin el encanto y entusiasmo juveniles de Debbie Reynolds, en su primer papel protagonista a sus 19 años; tal vez por esa inexperiencia, Freed no quiso utilizar su voz y fue doblada en todas sus canciones. Irónicamente, la voz que Debbie presta a Jean Hagen -la actriz de voz chirriante- al final del filme, escondida tras los cortinajes, es en realidad… la de Jean Hagen.

La película contiene números históricos. Además de “Make a laugh”, deslumbran también el frenético “Moses”, el sentimental “You are my lucky star” (delicado e intimista, en un plató gigantesco y vacío) o el lujoso y espectacular “Broadway Melody”. Pero el que sin duda pasará a la historia es “Singin’ in the rain”: el número más popular y recordado de todos los musicales, en el que Kelly, enamorado y dichoso, baila en medio de un aguacero torrencial. A pesar de la imagen feliz que transmite, Kelly sufrió lo indecible en esa secuencia, bajo la falsa y persistente lluvia de los aspersores. Durante los dos días que requirió el rodaje, padeció un enfriamiento fuerte y progresivo que estuvo a punto de acabar en pulmonía; además, no encontraba la manera de coordinar los movimientos del paraguas con la música, por lo que la filmación se prolongó cada día muchas más horas de lo previsto. Su grabación se realizó en una sola toma. La lluvia artificial que se aprecia en la famosa escena del baile, no es agua, es una solución salina ligeramente mezclada con leche para que pudiera ser captada perfectamente por la cámara.

Y la polic�a llegó para aguar la fiesta...Lo curioso es que ese sketch no era realmente nuevo: se inspiraba en otro número similar, cantado y bailado por Maurice Chevalier 15 años antes, pero ahora desarrollado de forma más brillante y original. Hay que reconocer que su peculiar combinación de humor, sentimiento y alegría resume perfectamente las virtudes de la película, y ella sola basta para convertirla en la quintaesencia del género musical. Es, desde luego, el número que mejor representa el espíritu de la película, pero también el que mejor resume toda la filmografía de un actor (Gene Kelly) y todo lo que fue un maravilloso género cinematográfico: el musical de Hollywood.

Tienes una información más extensa sobre la película en la siguiente dirección:

http://www.bsospirit.com/comentarios/singinrain2.php

El mini-trabajo sobre esta película consistirá en lo siguiente:

1. Recuerda cómo se inscrustan los números de baile y las canciones en el argumento del filme. Si te das cuenta, el argumento se desarrolla en los diálogos y cuando se introduce un baile o una canción se trata de la reafirmación de un sentimiento, una ensoñación, etc. Esta estructura de musical reproduce la estructura de las óperas y las zarzuelas. Busca información en Internet sobre lo que es una ópera y una zarzuela y su estructura e intenta aplicar buscar su correspondencia con esta estructura de musical en al menos cinco líneas.

2. ¿Tiene algo que ver este musical con los que se hacen actualmente? Recuerda algún éxito musical relativamente reciente, como “Moulin Rouge” o “Chicago” y reflexiona sobre la diferencia entre los gustos actuales y los de antaño en al menos cinco líneas. También puedes encontrar argumentos para ello en los video-clips.

3. Como has leído en la crítica, “Cantando bajo la lluvia” cuenta el paso del cine mudo al sonoro de una manera bastante fidedigna. Haz un breve comentario de cinco líneas recordando cómo son de diferentes las interpretaciones en el cine mudo y en el sonoro que se ven en el filme, y los problemas que planteó a los actores y actrices del primero adaptarse al segundo.

4. Por último, escoge dos de estos musicales: “Un día en Nueva York”, “West Side Story”, “Cabaret”, “Grease”, “Fama”, “The Rocky Horror Picture Show”, “My Fair Lady” y realiza una breve ficha técnica de ellas que incluya los datos de dirección, guión, música, reparto, etc. y una breve sinopsis de al menos cinco líneas.

De bonus, aquí tenéis una “nueva versión” de la canción, con Kelly en plan “maikeljanson”.

Tiempos Modernos

Publicado en Cine por paulava 10:48 pm Domingo, 20 Abril 2008

La primera película que he seleccionado para que veamos en clase es, evidentemente, una película muda: “Tiempos Modernos”, del Gran Charlie Chaplin. Esto es lo que se comenta en la página web mangafilms sobre ella:

Tiempos Modernos significó la última aparición en pantalla de Charlot, el personaje que dio a Charles Chaplin fama mundial, y que todavía permanece en el imaginario colectivo como una de las figuras más queridas y reconocidas del séptimo arte.
La película es una sátira del maquinismo y del capitalismo como máximos responsables de la deshumanización del individuo; una verdadera crítica a la explotación del hombre propia de nuestros ‘tiempos modernos’, siempre tratada en clave de humor. Ya que, en palabras del propio Chaplin, “la comedia es el estudio más serio del mundo”.
El film se rodó en 1936, en plena resaca de la Gran Depresión Americana, cuando el desempleo masivo coincidía con la también masiva implantación de la automatización industrial; un contradictorio contexto de huelgas, paro y mecanización, que queda perfectamente reflejado en la pantalla. Una de las escenas más emblemáticas es aquella en la que Charlot aparece literalmente engullido por la inmensa máquina del progreso.
A pesar de que el sonido sincrónico se había implantando ya desde 1928, Chaplin se resistía al cine sonoro considerándolo la ruina del arte de la pantomima. Así, Tiempos Modernos se concibió inicialmente como una película muda.
No obstante, Chaplin decidió incorporar unos pocos diálogos en la película como símbolo de deshumanización, y por ello, hizo que “hablaran” solamente las máquinas.
También en Tiempos Modernos -por primera vez en toda la filmografía de Chaplin-, Charlot muestra su voz al público. Pero, fiel a sus principios, lo hace sin decir ni una sola palabra: en la escena del café-restaurante, éste interpreta una canción cuya letra “olvida” convenientemente y sustituye por sonidos inventados, sin significado; pero gracias a su asombrosa expresividad, Charlot consigue que entendamos la historia a través de sus gestos, convirtiéndose una vez más en la expresión de la universalidad.
A pesar de sus esfuerzos, Charles Chaplin no pudo vencer a la modernidad: sus posteriores películas serían ya plenamente sonoras, y el personaje de Charlot desaparecería.
Tiempos Modernos representa la inolvidable despedida de Chaplin a todo un mundo, y la inauguración de otro.

Después de haber visto la película y, gracias a estos apuntes, contesta a las preguntas:

1. ¿Por qué crees que Chaplin se resistió a que el personaje de Charlot hablara? ¿Crees que fue una decisión inteligente? Explica tu parecer en tres líneas.

2. A través de la comedia, Chaplin realiza una feroz crítica de la sociedad de su época. Recuerda que la película fue rodad en 1936 e investiga sobre la situación de EE.UU. en ese momento, haciendo un breve resumen de cinco líneas de las situaciones criticadas por Chaplin.

3. La música es muy importante para Chaplin. De hecho, fue el compositor de la música de muchas de sus películas, y también de la melodía “Smile”, que ilustra la segunda parte de la cinta (en el final el propio Charlot le pide a Paulette Godard que sonría mientras suenan las notas de su canción). Recuerda el uso que se hace del sonido y de la música en el filme y haz una reflexión sobre ello de al menos cinco líneas.

Smile...

Transiciones

Publicado en Cine por paulava 3:00 pm Domingo, 6 Abril 2008

Si los planos son las palabras del cine, las escenas son las frases y las secuencias son los párrafos, las transiciones son los signos de puntuación.

Hay miles de maneras de pasar de un plano a otro. Las más comunes son:

  • Corte

Su trata de la transición más habitual en la actualidad. El corte es una transición tan rápida que precisamente está pensada para que no sea captada por el ojo humano: simplemente desaparece un plano y es sustituido por el siguiente en décimas de segundo.

Un uso característico de este tipo de transición consistente en realizar cortes a lo largo de una determinada acción que vemos en pantalla, y mostrarla de principio a fin en mucho menos tiempo del que se precisaría para realizarla en la realidad. Las películas están llenas de este tipo de transiciones que aceleran el ritmo de la película cuando el director decide que no es necesario mostrar todo el contenido.

Un caso especialmente llamativo de este tipo de transición es el que tiene lugar repetidamente en la escena del asesinato de Janet Leigh en Psicosis. Según confesión de Hitchcock, la cámara ocupó setenta posiciones diferentes en su filmación. La escena contiene múltiples cortes y dura cuarenta y cinco segundos. Hitchcock tardó siete días en filmarla.

  • Barrido

La transición de barrido sugiere un desplazamiento vertiginoso de la cámara a través de numerosos escenarios desde el plano antecedente hasta quedar detenida en el plano elegido. Durante el espacio de tiempo que dura esta transición, lo único que observa el espectador es un desplazamiento acelerado de colores y formas por completo indistinguibles. De ordinario expresaría simultaneidad de acciones entre los dos planos, aunque a veces también se usa para expresar el paso del tiempo:

  • Cortinilla

Se trata de una transición hoy en día poco frecuente, pero que se utilizó mucho en el Hollywood de los años treinta y cuarenta. La cortinilla consiste en hacer emerger un nuevo plano que desplaza al anterior en el mismo encuadre, algo así como un telón que se cierra por encima del plano antecedente. Visualmente, lo que observa el espectador no es más que una línea que atraviesa la pantalla de un extremo a otro.

Existen multitud de maneras de configuración de cortinillas. De ordinario son oblicuas, horizontales o verticales, pero también pueden surgir a partir de otro tipo de formas geométricas, como cuadrados, espirales o círculos. Seguramente estaréis familiarizados con este tipo de transiciones gracias al programa Powerpoint o similares.

  • Encadenado

El encadenado es un tipo de transición creada para dar la sensación de un cierto adelanto o retroceso en el tiempo, que pueden ser horas, días o incluso años. La diferencia con el corte es que el encadenado es una técnica perfectamente visible para el espectador (lo normal es que transcurra entre medio segundo y dos segundos). Además, otorga a las imágenes una inusual delicadeza y una fluidez narrativa extrema.

En sí mismo el encadenado consiste en entrelazar dos planos, uno saliente y otro entrante. En un breve lapso de tiempo, el primero va desapareciendo mientras que el segundo se hace paulatinamente nítido. Es, por tanto, una transición suave y agradable a la vista. Es usual que el encadenado pueda sugerir un cambio en el tiempo de la acción. El encadenado también es apropiado para indicar un cambio en el escenario de la acción desde el plano precedente hasta el que viene a continuación.

Dentro de este tipo de transición encontramos una variante denominada encadenado con “raccord”. Consiste en un encadenado, pero en este caso el elemento unitivo entre planos es un mismo elemento gráfico, que puede ser un objeto, una forma geométrica, una persona, etc. Hitchcock utilizó esta variante de raccord en la famosa escena de la ducha en Psicosis, cuando, tras el asesinato, un plano del desagüe da paso al plano detalle del ojo de Janet Leigh. En este caso, el raccord no es más que el elemento circular que comparten ambos planos

Otra variante es el desenfoque, donde en realidad la única diferencia es el lapso de tiempo que dura la transición. En el caso del desenfoque éste es mucho más amplio. Un uso muy común de este recurso es la narración de sueños o recuerdos.

  • Fundido

Existen principalmente dos tipos de fundidos: en blanco y en negro, aunque lógicamente se pueden usar colores diversos. La técnica consiste en que el plano saliente adopta ese color, negro o blanco generalmente, el cual permanece en pantalla durante unos instantes hasta dar paso al plano siguiente, que abre desde el mismo color.

En realidad, mientras que el corte, el encadenado o el desenfoque conectan los planos, transiciones como el fundido o el barrido son más bien separadoras de imágenes, es decir, durante el tiempo que dura la transición ninguno de los dos planos aparece en pantalla. Hay pues, una pausa, normalmente mínima, pero suficiente para ralentizar la narración.

Lo más frecuente es que las películas adopten el color negro para el fundido. Pero, además, en muchas de ellas se usa como elemento una parte narrativa de la misma secuencia. A modo de ejemplo, digamos que para fundir en negro puede utilizarse como enlace un personaje que sale de una habitación y apaga la luz, o un tren que entra en un túnel.

Asimismo, pueden usarse también elementos narrativos para introducirlo: la luz del sol o de una bombilla, por ejemplo, o el humo de un cigarro cuyas volutas invaden gradualmente la pantalla.

El fundido en blanco tiene además una diferencia significativa respecto del fundido en negro o en cualquier otro color: la capacidad de sugerir evocación y recuerdo.

El efecto Kuleshov

Publicado en Cine por paulava 9:12 pm Sábado, 5 Abril 2008

Eisenstein pertenece a una corriente de directores de la antigua Unión Soviética, entre los que se cuenta también Lev Kuleshov, que ha pasado a la historia por un experimento realizado en torno al montaje.

El experimento consistió en un primerísimo primer plano prolongado del rostro inexpresivo del actor Ivan Mazouchin, presentado entre tomas de una taza de sopa humeante, una mujer en un ataúd y una niña que juega con un osito de peluche. «Los espectadores aplaudieron la actuación de Mazouchin, destacando su ensimismamiento por su plato de sopa caliente. Su angustia durante el sepelio de su difunta los compungió; finalmente admiraron su sonrisa irradiante al observar a la niña jugando con su osito. Todos sabíamos, no obstante, que el rostro del actor era el mismo durante las tres secuencias». Kuleshov demostró que dos tomas sucesivas no son interpretadas de manera independiente por el espectador; el cerebro las integra.

En realidad, un montaje adecuado, ayudado por la música y una voz en off distinta, puede convertir una de las películas más terroríficas de los últimos tiempos en una simpática comedia romántica:

Aquí, el trailer original:


 

Los dos grandes del montaje: Griffith y Eisenstein

Publicado en Cine por paulava 7:37 pm Sábado, 5 Abril 2008

A David W. Griffith (1875-1948) se le ha llamado “el padre del cine”. Hasta la llegada de Griffith, las películas de cine habían sido relativamente cortas, más anecdóticas que dramáticas y, sobre todo, producidas, interpretadas y montadas con pocos medios y escasa calidad. Sus dos obras más conocidas, ”El nacimiento de una nación” (1915) e “Intolerancia” (1916), (aunque es el autor de más de quinientas películas) tienen una duración de varias horas y se consideran las primeras “superproducciones”.

Griffith sentó las bases del lenguaje cinematográfico. Por ejemplo, fue el primero que utilizó el primer plano o el fundido-encadenado (transición de una escena a otra mediante la desaparición gradual de la primera en la pantalla y la aparición de la segunda). También utilizó los movimientos de cámara con inteligencia e innovó en la iluminación de exterior e interior.

Respecto al montaje, también se le considera el primero en utilizarlo conscientemente y de forma narrativa, recurriendo por primera vez al ”flashback”, es decir, la introducción -para aclarar algún aspecto de la historia o de un personaje- de sucesos anteriores en el tiempo a los que ya se han mostrado.

Para más información sobre la contribución de Griffith al cine, puedes visitar esta página: http://scarlett.iespana.es/historia/griffith.htm

Sin embarg, la cara de la moneda, la destreza como director de Griffith, tiene una cruz. ”El nacimiento de una nación”, que pretende contar el origen y la actuación de la organización racista Ku-Klux-Klan al acabar la guerra de secesión estadounidense, tratándolos de héroes frente a los negros, todos despreciables villanos o tontos esclavos.

Otro gran director que aprovechó el montaje fue el ruso Sergei M. Eisenstein. Éste recurrió a efectos dramáticos que le han convertido en el padre del montaje expresivo. Su obra más famosa es “El Acorazado Potemkin” (1925), una película basada en hechos reales y que narra la rebelión que aconteció en el puerto de Odesa en 1905, y que se inicia con la negativa de los marineros del Potemkin a comer carne agusanada.

El fragmento de la escalinata de Odesa, donde los cosacos cargan contra el pueblo inocente, es una de las más famosas de la historia del cine: una madre es muerta a causa de los disparos y el cochecito de su bebé se precipita escaleras abajo.

La escena ha sido homenajeada por un sinfín de directores famosos. Y para muestra, un famoso botón:

Para más información y poder ver la película completa, puedes acudir a http://cubokubrick.blogspot.com/2007/10/el-cine-sovitico-y-la-revolucin-en-el.html

El montaje

Publicado en Cine por paulava 6:40 pm Sábado, 5 Abril 2008

Montaje El montaje es el proceso que se utiliza para ordenar los planos y secuencias de una película, de forma que el espectador los vea tal y cómo quiere el director. La manera de colocar los diversos planos puede cambiar completamente el sentido, y por lo tanto el mensaje, de una película.

El más común de los montajes es el llamado montaje narrativo, que es aquél que tiene por objeto relatar una acción o una serie de acontecimientos. Como las narraciones literarias, el montaje narrativo también puede ser:

  • lineal - acción única relatada en secuencias de orden cronológico
  • invertido - no sigue un orden cronológico
  • alternado - relato simultáneo de varias acciones que acaban confluyendo
  • paralelo - relato de varias acciones que no tienen porqué ser simultáneas ni tienen que confluir - es el espectador el que establece la relación entre las acciones

Otro tipo de montaje es el montaje expresivo, que trata de comunicar al espectador un determinado efecto, más allá del puramente narrativo.

En el montaje se hace casi toda la película. Se cambian secuencias, se suprime lo que no gusta, se añade o se acorta el ritmo. Gracias al montaje el tratamiento del tiempo en una película es muy elástico, de tal manera que el tiempo fílmico no suele corresponderse con el real.

Vértigo y otras sensaciones

Publicado en Cine por paulava 11:53 pm Viernes, 4 Abril 2008

Los distintos movimientos de cámara pueden combinarse entre sí de formas prácticamente infinitas, dando lugar a múltiples efectos. Algunos de ellos son muy curiosos, como el que resulta de combinar el zoom y el travelling. El maestro Hitchcock lo utilizó sabiamente en “Vértigo: de entre los muertos” para retratar la sensación del protagonista cuando se asoma desde las alturas.

También se podría incluir dentro de los movimientos de cámara la llamada “Steady cam”. Se trata de un dispositivo que permite llevar la cámara atada al cuerpo de un operador de cámara mediante un arnés. Compensa los movimientos del operador (que es el que se mueve), mostrando unas imágenes que parecen el resultado del punto de vista subjetivo del personaje.

Esta técnica fue inventada en 1976 por Garret Brown, como un sistema para paliar los movimientos indeseados del operador de cámara, y así suavizar y estabilizar las imágenes.

De forma casi paralela a su invención, se publicaba el libro El resplandor de Stephen King. Un poco más tarde, en el 1980, Kubrick lo utilizaría magistralmente en su mítica adaptación al cine. Esta película popularizó las ventajas de la Steady cam y se ha convertido en un sustituto del aparatoso y caro travelling.

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