HISTORIA DEL CINE Documental

En seis partes, de unos 10 minutos cada una, revisa el nacimiento del cine desde sus orígenes hasta los años 30. Los tres primeros están dedicados fundamentalmente a los inicios del cine francés y español: Méliès. Chomón, Gelabert, escuela de Brighton, o Pathè. Los últimos se centran en el cine en EE.UU., especialmente en el cine cómico.

Subidos por ElMuvimaiker. Desde su página podéis acceder otros dedicados , por ejemplo, la restauración de Metrópolis o El Acorazado Potemkin o a la vida de Eisenstein.

OCTUBRE Sergei Eisenstein

Intertítulos en castellano.

De Octubre vimos un fragmento a propósito del montaje intelectual. os ofrezco ahora la posibilidad de verla completa. La película, rodada en 1927, es una verdadera obra épica que reproduce los hechos acontecidos durante la revolución bolchevique de Octubre de 1917. Eisenstein, rueda la película con motivo del décimo aniversario de la revolución y en ella, aunque no esconde su apoyo a la revolución rusa, trata de mantener una visión objetiva de los hechos.

EL CINE DE SEGUNDO DE CHOMÓN

PIONEROS CINE BRITÁNICO

El motorista (1906), Robert William Paul, pionero británico y creador de la productoramento PAULS ANIMATOGRAPH

No era mi intención convertir este apartado en una sección de necrológicas, pero hay algunos personajes que merecen tener un espacio y más en un blog sobre cine.

Acabo de enterarme de la muerte de Rafael Azcona, posiblemente el más grande entre los guionistas que ha dado el cine español. (Noticias en El País y en El Mundo, con amplia información sobre él )

La filmografía lo dice todo

• El pisito Marco Ferreri (1959)
• El cochecito Marco Ferreri (1960)
• Plácido Luis García Berlanga (1961)
• El verdugo Luis García Berlanga (1963)
• La gran comilona Marco Ferreri (1973)
• El anacoreta Juan Estelrich (1976)
• La escopeta nacional Luis García Berlanga (1978)
• Patrimonio nacional Luis García Berlanga (1981)
• Nacional III Luis García Berlanga (1982)
• La vaquilla Luis García Berlanga (1985)
• El año de las luces Fernando Trueba (1986)
• El bosque animado José Luis Cuerda (1987)
• Soldadito español Antonio Giménez-Rico (1988)
• ¡Ay, Carmela! Carlos Saura (1990)
• Belle époque Fernando Trueba (1992)
• La niña de tus ojos Fernando Trueba (1998)
• La lengua de las mariposas José Luis Cuerda (1999)

(De Wikipedia la lista)
(Fotogalería en El País)

Os dejo una entrevista de hace tan sólo un año. Muy interesante: recorre su vida personal, y con ella la vida española de posguerra -que asegura duró hasta Tejero-, y profesional.

Y también el pie de acto que escribió para el concurso de Notodofilmfest, en el apartado Una película de…  Rafael Azcona.   Tal vez pueda daros alguna pista para el vuestro.

Pepín Bello

Muere Pepín Bello, el último superviviente de la Generación del 27. Todos los teletipos, el 11 de enero de 2008 se hacían eco de la muerte, a los 103 años de Pepín Bello. Pero ¿qué tiene que ver con un blog que se dedica a la imagen en movimiento?

Sencillo, bastan unas cuantas notas biográficas:

A la Residencia de Estudiantes -también llamada la ‘colina de los chopos’- llegó José Bello (Huesca, 1904) en 1921 para estudiar Medicina. Había viajado a Madrid desde su Huesca natal en 1915 con el fin de cursar Bachiller en la Institución Libre de Enseñanza, germen de la residencia. Allí intimó con Federico García Lorca, Salvador Dalí y su medio paisano, el turolense Luis Buñuel, conformando un cuarteto memorable que cambió la historia de nuestra cultura.

Confidente y aglutinador de un grupo genial que anticipaba la Generación del 27, Pepín Bello fue el único superviviente de aquel memorable núcleo de la ‘Edad de Plata’; el único que se ha ganado un hueco en la historia sin haber escrito un libro o un poema, pintado un cuadro o rodado un plano. Por más que su influencia se perciba en las obras de sus amigos y se le tenga por el más surrealista de los surrealistas españoles, Pepín aseguró hace unos meses «tener lo mismo de poeta que de marciano».

Trató primero a Buñuel, a quien conoció en 1917, luego a Lorca (desde 1919) y posteriormente a Dalí, a partir de 1922 (www.ideal.es/granada)

Pepín Bello, y a sí lo reconocen todos, fue, pues, un auténtico aglutinador del grupo del 27. Y el motivo de que lo incluyamos no es otro que la película Un perro andaluz de Luis Buñuel, con guión de Buñuel y Dalí y en el que mucho tuvieron que ver las ideas de Pepín Bello, amigo y compañero de ambos.

Información en TV1

¿Para qué sirve un guionista?

Los que tenéis un cierto interés, más allá de la necesidad de rendir cuentas en un examen, por el mundo del cine, sabréis que los guionistas de Hollywood llevan ya dos meses en huelga. Actores y directores apoyan sus reivindicaciones (incluso la NBC ha suspendido la gala de los Globos de Oro ante el boicot anunciado de actores y candidatos -Bardem acaba de ganar el premio de la crítica de la Asociación de críticos de EE.UU, al mejor actor secundario por la película No country for old men, de los hermanos Coen, y es candidato al Globo de Oro-) y supongo que una manera de hacer público ese apoyo son estos vídeos que he encontrado en Youtube

Felicity Huffman - William H Macy

Woody Allen

Tim Robbins

Susan Sarandon - Chazz Palminteri

Forman parte de una serie de cortos de speechlesshollywood

Por si tenéis curiosidad por conocer el origen del problema y las reivindicaciones, este enlace os puede ser útil.

FICHA TECNICA
Productora: X – FILM PARA MIRAMAX
Dirección: TOM TYKWER
Producción: STEFAN ARNDT
Director de producción: MARIA KOPF
Guión: TOM TYKWER
Dir. de fotografía FRANK GRIEBE
Montaje: MATHILDE BONNEFOY
Música: REINHOLD HEILJOHNN
KLIMEKTOM, TYKWER

FICHA ARTISTICA

Lola : FRANKA POTENTE
Manni: MORITZ BLEIBTREU
Papa: HERBERT KNOUP
Amante: NINA PETRI
Vagabundo: NORBERT VON AV
Guardia: ARMIN ROHDE
Srta. banco: SUZANNE VON BORSODY
Cajero: LARS RUDOLPH

SOBRE EL DIRECTOR Y LA PELÍCULA

Tom Tykwer (Alemania, 1965), siendo todavía un niño ya realizaba películas en formato súper 8. Antes de empezar a dirigir sus primeros cortometrajes, premiados en diversos festivales, trabajó como ayudante de producción y dirección. En 1993 dirige su primera película “Mortalmente María“, que narra la historia de una mujer que rompe de forma drástica con su ordenada vida. Cuatro años después rodaría su segunda película “Soñadores“en la que nos cuenta las dificultades que tiene un grupo de jóvenes en la búsqueda de un futuro adecuado. Tras “Corre Lola corre“ dirigiría “La princesa y el guerrero“ (2000) en la que igualmente participa la actriz Franka Potente (Lola), quien también ha trabajado a las órdenes de directoras/es ya consagrados como Doris Dörrie, Ted Demme y Peter Greenaway.

El director manifiesta que siempre intenta hacer películas que definan o planteen, las contradicciones de la existencia y que experimenten en los campos temáticos y formales. Le interesa un cine que transgreda los géneros y que trate sobre cuestiones abiertas, no resueltas, como el caos, el destino, la elección y lo inesperado.

“Corre Lola corre” se convirtió en el mayor acontecimiento del cine alemán de los últimos años, batiendo cifras de taquilla y encabezando una nueva generación de cineastas alemanes con una formación eminentemente visual. Rodada en inglés y con financiación americana la película utiliza diversas técnicas y formatos como el vídeo, la mezcla de color y blanco y negro o la animación. Por último hay que señalar que se alzó, entre otros, con el Premio a la Mejor Película Extranjera de los Independent Spirit Award 2000, el Premio del Público en el Festival de Cine de Sundance 1999 y formó parte de la Sección Oficial del Festival de Cine de Venecia 1998.

CONTEXTO GEOGRAFICO
La historia se desarrolla íntegramente en una ciudad alemana, presumiblemente en Berlín. Partiendo del barrio residencial en el que habita Lola, recorremos con ella una serie de calles (con parada en una entidad bancaria y en un casino) hasta llegar a la plaza en la que ha quedado con Manni.

CONTEXTO HISTORICO - SOCIAL
En la película no se hace ninguna referencia a momento o situación histórico-social, desarrollándose a finales de los años noventa.

ESTRUCTURA
La película está claramente dividida en tres partes:

Primera parte: la más extensa de todas, en la que tras una serie de planteamientos filosóficos (por parte de un narrador), conocemos el problema e Manni y, por proximidad, el de Lola.

Segunda parte: comienza después de que Lola reflexione acerca de lo que el ser humano conoce o cree conocer.

Tercera parte: sucede después de que sea Manni el que se plantee temas relacionados con su muerte.

Actividades previas:

1.- En la introducción a la película que acabáis de leer, se citan dos oficios cinematográficos desarrollados por el director: ayudante de producción y ayudante de dirección. Explica en qué consiste su función en cada una de las fases de elaboración de una película.

2.- Se cita también a directores con los que trabajaría también la protagonista de Lola corre Lola. Busca información de dos de los nombres citados: Doris Dörrie y Peter Greenaway.

3.- Revisa el fragmento inicial:

3.1.- Análisis de fragmento (elabora el guión técnico)
3.2.- Revisado el fragmento inicial, el cartel… ¿Qué información te da el título, el cartel, los créditos…?

• ¿Qué te sugiere el título? ¿Vamos a ver una comedia, un drama…?
• En el cartel de la película aparece la protagonista fragmentada, y entre una de las partes aparece la figura de un joven. ¿Qué intención crees que tiene esa disposición?
• ¿Recuerdas alguna película alemana que hayas visto. Y alguna europea –no española?

4.- La película se inicia con unas reflexiones del narrador, ¿qué sentido tienen? ¿qué crees que quiere decir? Trata de explicar su significado. Volveremos a ellas al final de la película.

Seguiremos con actividades tras el visionado de la película (no os incluyo ninguna ahora por no “destripar” la historia. De todos modos, es obvio que cuestiones como tema - personajes - planifación, por ejemplo, formarán parte de ellas)

Actividades tras el visionado de la película

Ahora que ya hemos visto la película podemos plantearnos algunas cuestiones más, tanto en relación al tema/temas tratados como a la forma en que lo hace.

1.- De todas estas ideas, ¿cuáles crees que están más presentes en la película? ¿por qué? ¿en qué momento o de qué manera lo están?

a) El concepto del tiempo: como juez implacable

b) El azar: como concepto de algo que ocurre sin la voluntad del ser humano y que puede condicionar el desarrollo de un suceso de una u otra manera.

c) La predestinación: como situación a la que una persona ha de llegar inevitablemente, en contraposición al libre albedrío.

d) El amor: como fuerza para luchar contra todo tipo de adversidades.

e) La dependencia de unas personas respecto a otras.

f) La infidelidad

g) El miedo

h) La muerte como concepto

i) La perseverancia

j) La desintegración familiar

2.- Vista la película, ¿podrías explicar el sentido de las palabras iniciales del narrador? ¿Tienen algo que ver con el tema o temas que se plantean en la película?

3.- Se trata de una historia narrada tratada de tres maneras. Reconstruye las características de los personajes principales: Lola, Manni, el padre de Lola, su amante o el vigilante. Indica qué de su personalidad se nos va ofreciendo en cada momento, ¿hay variaciones?

4.- En la película, el director recurre a elementos visuales y sonoros cercanos a la estética del videoclip. Vamos a ir fijándonos ahora en ellos.

a) Empecemos por los títulos de crédito iniciales. Ahora que ya vimos Corre Lola corre, ¿consideras adecuados la secuencia de créditos? ¿Adelantan algo de lo que va a ser la película? ¿Cómo? ¿Con qué recursos?

b) Fijémonos en la planificación: Nos encontramos con todo tipo de planos, desde lo planos generales a planos medios o primeros planos. ¿Podrías señalar algún momento en que suceda esto y tratar de justificar su uso? ¿Crees que se ajustan a la narración?

c) Si nos centramos ahora en angulaciones y movimientos de cámara, está claro que, aunque es bastante neutra y abundan las angulaciones normales, podríamos encontrar ejemplos de planos picados, cenitales, contrapicados… Como en el caso anterior, trata de recordar algún ejemplo y de explicar su uso. ¿Aporta algo a la narración o es una cuestión absolutamente formal?

d) Lo mismo sobre los movimientos de cámara. ¿Son frecuentes? ¿De qué tipo? ¿Se explican por lo que narran? Trata de recordar ejemplos.

e) Aunque al revisar los elementos del lenguaje cinematográfico hemos tenido que dejar fuera de análisis algunos tan esenciales como la fotografía, sí nos resultará sencillo fijarnos en el uso que en la película se le da: ¿por qué el uso del blanco y negro? ¿por qué el uso de una luz absolutamente rojiza en algunas ocasiones?

f) La banda sonora: Analiza los elementos de la banda sonora. ¿Qué aporta la música a la película?

g) Y por último, el montaje. Comenta elementos como los recursos temporales o los signos de puntuación. ¿Por qué la fragmentación de la pantalla en ocasiones? ¿Dirías que se utiliza un montaje analítico o sintético?

Hoy, 1 de diciembre de 2007, se cumplen 30 años de la publicación en el BOE del decreto quer puso fin a la censura en España. Y, aunque ese será tema de otro blog en el que estamos pensando otro colega, Boni Pérez, y yo, os dejo dos capítulos emitidos en TV1 como recordatorio. Vienen a ser resúmenes de una serie más que interesante de Vicente Romero que, con el título de Imágenes prohibidas del cine español, emitió TV2 en 1994.

La serie constaba de de 14 capítulos de media hora en los que se narraba la historia de la censura en nuestro país desde la promulgación de sus primeras normas en 1912 hasta su desaparición en 1977.

Muchísimas, y con censuras de muy diversoso tipos, fueron las películas españplas que padecieron las tijeras de la censura, y difícil resulta ahora, en muchos casos recosntruir la forma original puesto que lo más frecuente es que se destruyeran los fragmentos suprimidos.

La censura no sólo se ocupaba del cine español, el cine extranjero sufría también los cortes, sólo que en estos casos la “reconstrucción” resultó relativamente sencilla porque lo suprimido se conservaba en sus respectivos países.

También la Sexta tiene previsto emitir un documental mañana domingo, 2 de diciembre, bajo el título: Expediente 121:La censura en el cine.

Aquí está:

Con Méliès no sólo nace el cine como espectáculo, como fábrica de sueños, nace también la necesidad de dotarlo de una marca, como cualquier otro producto que necesitara venderse. Así que, para diferenciar sus películas, filmó cartones negros con su marca para colocarlo al principio, después añadió el título de la historia y todo ello antes de iniciarse la película.

Se iniciaba la larga historia de los títulos de crédito

 De Bass a la eternidad

http://www.titulosdecredito.org/

Página desde la que se pueden revisar numerosos títulos de crédito con información de sus autores                

Los efectos especiales, (SFX), como sabemos, son los artificios que se utilizan para dar sensación de “realidad” y cuando determinadas situaciones no podrían rodarse por medios “normales”. Pero no vamos a tratar de abarcar todo tipo de efectos especiales, simplemente unas cuantas notas sobre uno de ellos, el croma.

Ahora bien, aunque no hablemos de todas las posibilidades de los efectos especiales, os incluyo un documental -por si sentís curiosidad-, sobre La ciencia de los efectos especiales. Está dividido en tres partes (ya sabéis que mi ordenador trabaja mejor si no se le exige demasiado al mismo tiempo, y casi 50 minutos de golpe sí lo sería), y como es lógico también habla del croma -segunda parte-.

Centrándonos ahora en el CROMA, podemos empezar viendo un ejemplo

El croma es un técnica muy utilizada tanto en cine como en televisión y consiste, en esencia, en sustituir un fondo por otro. Para ello se rueda inicialmente con un fondo de color sólido y uniforme, -generalmente verde o azul-, para después, mediante el ordenador, sustituir ese fondo por otro en la edición final. La diferencia principal a la hora de qué color elegir, la marcan básicamente hechos como si se rueda en plató o al aire libre, qué tipo de ropa lleva el actor o de qué color son sus ojos: por ejemplo habrá problemas si utilizamos fondo verde para rodar con personajes de ojos verdes o en un parque.

Los nombres más comunes con los que se conoce esta técnica son: kroma key (término inglés); blue scree o pantalla azul; chromakey en edición de vídeo o travelling mate en el cine.

Aquí tenéis un ejemplo del proceso a partir de imágenes de El retorno del Jedi (en La magia del croma)

1 Se graba la escena en un decorado, como veis, dejando que el “paisaje” que se ve a través de las ventanas sea un fondo azul.

2 Esta segunda imagen, mate, será la que sustituya al fondo azul de la escena grabada anteriormente

3 Y este es el resultado final.

Parece ser que el inicio de la técnica se dio en la fotografía, allá por los años 20 cuando C. Dodge Dunning patentó un sistema al que llamó Dunning Travelling Mate. Más tarde, en los años 50, y trabajando para la Warner Brothers, sería Arthur Widmer (1914-2006), quien desarrollaría lo que conocemos hoy como kroma key. Desde entonces, la técnica ha ido mejorando y hoy en día es muy habitual su uso en las creaciones cinematográficas y en general en cualquier montaje/edición de video.

[Dodge Dunning (1907-1959 EE.UU.), fue pionero en el campo de los efectos fotográficos e intervino, entre otras, en la película de Merian C. Cooper, King-Kong, 1933]

El uso del croma llega más allá de lo profesional y así el software de edición de video digital: Adobe Premiere, Pinnacle Studio (demo) y Ulead entre otros, ya incorpora técnicas para la utilización del Chroma Key de modo que se puedan crear vídeos domésticos con una de las técnicas mas extendidas en el cine.

Muchos, y muy variados son los usos del croma en las producciones audiovisuales. Los encontramos desde los informes del tiempo en las televisiones, a los usos más propiamente cinematográficos como: fondos de escenario, para ocultar el manejo de marionetas y animatrones, para maquetas, etc, etc, etc, (Más, con ejemplos incluidos, en La magia del croma)

Acabamos con un ejemplo, también de croma: insertar un vídeo en otro (audio en inglés pero las imágenes no conocen idioma)

El vídeo en el que se va a insertar otro

La grabación del vídeo que va a ser insertado, naturalmente con fondo verde

Por último, el resultado final

ENLACES

Aunque ya están señalados en el texto, os dejo aquí los enlaces

LA MAGIA DEL CHROMA KEY

TUTORIAL PARA CROMA de Adobe Premiere Pro

Y por si queréis ampliar algo sobre efectos especiales: En la enciclopedia ENCARTA, además de en Wikipedia, tenéis información general.

[Para incluir en otro apartado de efectos, (en este caso visuales): Muerte de Emilio Ruiz 16/09/07 -charla en el instituto durante el 41 festival Cine Gijón- Noticia en El Mundo

enlace 1 enlace 2 enlace 3 enlace 4 base de datos ]

Noticia en La Voz de Asturias

Noticia en Ayuntamiento de Gijón

Festival de Cine de Giffoni 

Que no está en Wikipedia

El Festival Internacional de Cine de Gijón llegará a su 45 edición en 2007. No será fácil que sepáis que todo empezó en la Universidad Laboral en 1963. Un 21 de julio el entonces subdirector de Cine y Teatro, Florentino Soria, inauguró oficialmente el Primer Certamen de Cine y Televisión para niños -nombre con el que nació el festival-, en el Paraninfo de la Universidad Laboral.

La sesión inaugural ofreció Las aventuras di Topo Gigio, personaje internacionalmente popular y del que tal vez hayáis oído hablar -o visto alguna vez-, porque entre nosotros volvió a gozar de popularidad en los ochenta.

En el show de Ed Sullivan

La idea surge, entre otros, del dibujante Isaac del Rivero, que habría de ser su primer director. Isaac del Rivero consigue convertir en realidad un proyecto más que difícil en la España franquista: un certamen en que estén presentes, en esta primera edición, quince países, varios de ellos del Este -en estos momentos con la mejor producción para niños-, sin apenas relaciones diplomáticas con nuestro país. Se inicia el certamen pero eso sí, sometido a la burocracia dle Régimen; de hecho la primera comisión de honor la presidiría Fraga Iribarne, ministro de Información y Turismo entonces, y entre sus miembros estaría Pilar Primo de Rivera, delegada nacional de la Sección Femenina.

Se inicia el certamen con sólo dos galardones: el Gran Premio Pelayo para el mejor largometraje y el mejor cortometraje. Las películas se exhibieron en la Universidad Laboral y el cine Maria Cristina y si bien en esta primera edición no existió el jurado infantil, en la clausura habría de plantearse ya la conveniencia de ello. Así en el año 1965 se contaría ya, como componente esencial, con un jurado de decenas de niños entre 6 y 14 años que entregaría el Gran Premio Platero al mejor largo y al mejor corto (y que verían todas las películas en versión original, en numerosas ocasiones sin subtítulos, a lo sumo con una breve introducción, y desde luego sin doblar como no fueran de Disney).

Ya desde el primer certamen, en paralelo, se celebran actividades. En estos primeros momentos las “Conversaciones Internacionales de Cine Infantil”, con la presencia de críticos de cine nacionales y extranjeros, pedagogos, expretos en psicología infantil y, como no, sacerdotes.

FUENTES

DE NIÑOS BUENOS A ENFANTS TERRIBLES
40 años de festival Internacional de Cine de Gijón
Eva Güimil - Toni Rodero - Elena Bandera
Ed. Festival de Cine de Gijón, 2002

Web Festival Internacional de Cine de Gijón, NOTICIA sobre el Festival internacional de Cine de Gijón

Festival Internacional de Cine de Gijón, en Wikipedia