Archivo de la Categoría “Pintura”

Tres pintores de la Corte: Velázquez, Carreño Miranda y Goya

    • Diego Rodríguez de Silva y Velázquez por Virginia:
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    • Juan Carreño Miranda por Corina:
         
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      • Francisco de Goya y Lucientes por Laura:
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  • Doménikos Theotokópoulos, El Greco (Candía,1541 - Toledo, 1641)

    El Greco,  pintor español de origen griego

    Entre sus obras, destacan:

    El entierro del señor de Orgaz

    (Ver artículo en el blog: http://blog.educastur.es/iescarrenomirandasociales/2009/03/02/el-manierismo-espanol-y-domenico-theotocopoulos-el-greco)

    El caballero de la mano en el pecho

    Vista y Plano de Toledo

    (ampliación)

    El martirio de San Mauricio 

    Escuela veneciana, siglo XVI: Tiziano (1488/1490-1576) y Tintoretto (1519-1594)

    Dentro de la escuela italiana, la pintura veneciana del siglo XVI  ha estado, por razones históricas, muy ligada y unida a la historia de España: el contacto de Carlos V y Felipe II con Tizinano, y el trabajo de éste para los Habsburgo; las preferencias de Felipe IV y las inclinaciones de Velázquez, encargado de las adquisiciones reales en Italia…

    Tiziano Vecellio, pintor universal, refleja el esplendor de la pintura veneciana. Su larga vida le permitió pasar por numerosas fases, siendo muiy admirado por los hombres de su tiempo y recibiendo por ello las mayores distinciones de su patria y de los príncipes extranjeros. Retrató a las más altas personalidades de su época, como Carlos V, de quien fue el pintor más estimado, nombrándole Conde Palatino, y ejecutó variados géneros pictórico, destacando los temas de religión, mitología o alegoría.

                                     

    La Venus de Urbino, 1537 (Óleo sobre lienzo, 119 x 165 cm) Galería Uffizi, Florencia

    Antecedente: Venus dormida de Giorgione;  Influencia: Olympia de Manet

    Jocopo Robusti “Tintoretto” es, junto con Giogione, Tiziano y Veronés una de las grandes figuras  del mundo veneciano del siglo XV.  Discípulo de Tiziano al que opone un mundo tenso y dramático, vilento y agitado. Introdujo en Venecia un manierismo muy personal: dibujo completo y vigoroso, toque rápido y vivaz, y dominio de la luz, medio principal de expresión.

    El Lavatorio, 1547-49 (Óleo sobre lienzo, 2.10 x 5.33 cm) Museo del Prado, Madrid

    Tema: Escena del Nuevo Testamento  (Juan 13, 1-20)

    Influencia: Grabado “La Scena Tragica” del Secondo libro di perspettiva de Sebastiano Serlio (París, 1545).

    Formaba pareja con La Última Cena, 1547 (Iglesia de San Marcuola, Venecia).  Ambas, juntas, después de 400 años, en la Exposición sobre Tintoretto del Museo del Prado en 2007

    Michelangelo Buonarroti (Caprese 1475 - Roma 1564 ): La capilla Sixtina

     

    El papa Julio II le encarga su obra maestra: el techo de la Capilla Sixtina, a cuya decoración dedicará cuatro años, entre 1508 y 1512.

    El trabajo fue agotador ya que no contaba con ningún ayudante y puso de manifiesto el fuerte carácter del maestro agravado por su insatisfacción característica, la escasez de honorarios y las numerosas demandas de ayuda que recibe de su familia, especialmente de su hermano Buonarroto.

    Es significativo el texto de una carta que escribe a su padre en enero de 1509: “Hace un año que no recibo un céntimo del papa y no lo pido porque mi trabajo no va adelante como creo que merece. Esta es la dificultad del trabajo y el no ser mi profesión. Pierdo tiempo sin provecho. Dios me asista”. En una nueva carta se reafirma en sus opiniones al manifestar: “Sigo aquí disgustado y no muy sano, con gran trabajo, sin gobierno y sin dineros”.

    En 1534, instalado definitivamente en Roma, Miguel Ángel pintará el muro testero de la Capilla Sixtina por encargo del papa Paulo III, quien le nombra pintor, escultor y arquitecto del Vaticano. Al parecer el anterior papa, Clemente VII, ya le había encargado la ejecución de dos frescos en las paredes frontales de la Capilla  representando el Juicio Final , en la pared de la capilla donde se encuentra el altar, y la Resurrección, en la pared de enfrente. El fallecimiento de Clemente VII en septiembre de 1534 provocaría un ligero abandono del proyecto, que sería recuperado por su sucesor, Paulo III. El 16 de abril de 1535 se empezó a levantar el andamiaje y en enero de 1537 se iniciaba la decoración pictórica, siendo descubierta de manera oficial el 31 de octubre de 1541.

    El fresco es de enormes dimensiones -13,70 x 12,20 metros- e incluye casi 400 figuras de las que se han identificado aproximadamente 50. La zona superior de la composición, más de la mitad de la pared, está ocupada por el mundo celestial presidido por Cristo como juez en el centro de la escena, inicialmente desnudo y en una postura escorzada, levantando el brazo derecho en señal de impartir justicia y cierto temor a los resucitados. A su lado, la Virgen María, rodeadas ambas figuras por un conjunto de santos, apóstoles y patriarcas que constituyen el primer grupo circular. A ambos lados de este grupo central diferentes mártires, vírgenes, bienaventurados y Confesores de la Iglesia forman una segunda corona. En los lunetos superiores aparecen dos grupos de ángeles que portan los símbolos de la Pasión: la corona de espinas, la cruz y la columna, ofreciendo las más variadas posturas y reforzando la sensación general de movimiento. Buonarroti quiso representar de esta manera la salvación de la Humanidad a través de la llegada de Cristo en la parte más elevada de la pared. A los pies de Cristo se sitúan dos santos que ocupan un lugar privilegiado: San Lorenzo, que porta la parrilla de su martirio, y San Bartolomé, con una piel que alude a su muerte, apreciándose en su rostro un autorretrato del pintor. En la zona intermedia podemos encontrar tres grupos; en la izquierda, los juzgados que ascienden al Cielo mientras que en la parte contraria se ubican los condenados que caen al Infierno, ocupando los ángeles trompeteros el centro para despertar a los muertos de la zona inferior que se desarrolla en el espacio izquierdo de este último tramo. En la zona inferior derecha hallamos el traslado de los muertos en la barca de Caronte ante el juez infernal Minos -la figura de la esquina con serpientes enrolladas alrededor de su cuerpo- y la boca de Leviatán. La escena se desarrolla sin ninguna referencia arquitectónica ni elemento de referencia, emergiendo las figuras de un azulado cielo donde flotan con una energía y seguridad difícilmente igualables. Son numerosas las referencias y fuentes en las que Miguel Ángel se inspiró según aluden los especialistas: entre las  literarias parece seguro el empleo de tres fuentes: la Divina Comedia de Dante, la bíblica Visión de Ezequiel y el Apocalipsis de San Juan.

    En el tema respresentado, el Juicio Final, Miguel Ángel exhibirá su admiración hacia la anatomía que le llevará a desnudar al propio Cristo, anticipando con sus figuras el Barroco.  Pero la reacción moral no se hizo esperar y ya en vida del maestro se empezaron a tapar los cuerpos, siendo Volterra uno de los encargados. En 1964 se inició un programa de restauración de todas las obras que finalizó en 1994 con el descubrimiento del Juicio Final enteramente restaurado.

    Las figuras se retuercen sobre sí mismas, en acentuados escorzos que anticipan el Manierismo y el Barroco. Los personajes exhiben el interés de Buonarroti por la anatomía escultórica, destacando sus amplias y musculosas anatomías inspiradas en el mundo clásico. El colorido brillante sintoniza con la bóveda a pesar de que abundan las carnaciones de los cuerpos desnudos que permiten contemplar sus músculos en tensión, sin olvidar hacer alusión a la expresividad de los rostros recogiendo en sus gestos el destino que les ha tocado tras el último Juicio.

    Leonardo da Vinci: análisis de tres obras

    La virgen de las Rocas (Museo del Louvre) c.1485 (óleo sobre tabla; 199 x 122 cm)

    La última cena (Refectorio de Santa María delle Grazie, Milán)1495-1497 (temple y óleo; 480 x 880 cm)

    La Gioconda (Museo del Louvre) c.1505 (óleo sobre tabla; 77 x 53 cm)

    Finalmente, la última teoría (es de 2008) sobre la verdadera cara de Leonardo da Vinci (en inglés)

    Pintura del Quattrocento italiano: Masaccio y Botticelli

    Capilla Brancacci de la Iglesia Santa María del Carmen (Florencia)

    La Primavera

    El nacimiento de Venus

    2º ESO: Trabajos de Historia del Arte

    Estos son algunos de los trabajos de investigación sobre el Arte del Renacimiento y Barroco realizados por alumn@s de 2º ESO. Lo que vereís fue la base de la exposición oral y presentación en clase del trabajo, a sus compañer@s.

     

       RENACIMIENTO:

    2º ESO -C/D

    Pedro, Juan y Jesús Arquitectura del Renacimiento y Presentacion en PowerPoint

    Sara y Rebeca Renacimiento Pictórico  y Presentación en PowerPoint

    2º ESO - D :

    Adrián M., Mark y Aitor Arquitectura Renacimiento (Power Point)

       BARROCO:

    2º ESO - C/D:

    Nerea, Adrián y María Barroco (Power Point)

    2 ESO -D:

    Alba L. y Paula La Europa barroca (PP)

    Silvia y Elizabet Pintura y escultura barrocas

    Claude Monet: Series

    Existen varios enlaces en internet para poder ver las series completas de los cuadros impresionistas de Monet.

    Entre ellas se encuentra la Galería de Artistas Famosos o la dedicada expresamente al Arte de Monet.

    Pintura barroca en el Museo del Prado

    Dos grandes obras de la pintura barroca y universal, Las tres Gracias de Rubens y La familia de Felipe IV o Las Meninas de Velázquez, ambas en el Museo del Prado (Madrid), pueden contemplarse con todo lujo de detalle a través de Google Maps y Google Earth:El Museo del Prado en Google Maps y Google Earth.También se puede ampliar la información sobre los pintores, Rubens y Velázquez y sobre ambos cuadros Gracias y Meninas en la Enciclopedia On-Line del Museo.

    Escultura barroca española: Gregorio Fernández. Pintura barroca española: Velázquez, Ribera, Zurbarán y Murillo

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