John Cage

25 11 2010

Si algo te aburre al cabo de dos minutos, pruébalo durante cuatro. Si aún te aburre, entonces, durante ocho. Durante dieciséis. Durante treinta y dos. De repente uno descubre que no es nada aburrido. La primera pregunta que me hago cuando algo parece no ser bello es por qué pienso que no lo es. Y muy rápidamente descubro que no hay ninguna razón.



concurso: diseño de la portada del blog

25 11 2010

Se convoca a todos los alumnos de ISCM para que propongan una gráfico para la portada de nuestro blog.
Ahora tenemos las nubes rojas, pero tenemos que personalizarlo. La participación es voluntaria, pero supone una nota positiva en la asignatura.
Los gráficos que se envíen por correo electrónico deben estar en formato JPG, con un tamaño de 780 x 95. Buscad algo minimalista y que tenga que ver con el tipo de música que estamos trabajando…
No te olvides de votar el logo que más te guste (vete al enlace al final de esta entrada).
El logo ganador recibirá un CD de música electrónica.

PROPUESTAS

David Juan Landín [aka CLIMA]
VOTA 01
cabezera clima#1
VOTA 02
cabezera clime#2
VOTA 03
cabecera clima#3
VOTA 04
cabecera clima#4

Diego Fonteríz [aka DIO]
VOTA 05
logo DIO
VOTA 06
logo DIO

Vanessa Díaz Vaquero [aka DOKTORE]
VOTA 07
logo DIO
VOTA 08
logo DIO
VOTA 09
logo DIO
VOTA 10
logo DIO
VOTA 11
logo DIO

Fabio Martínez González [aka WAZKO]
VOTA 12
logo DIO
VOTA 13
logo DIO
VOTA 14
logo DIO

VOTA EL LOGO QUE MÁS TE GUSTA



tujiko noriko

24 11 2010

La mezcla del glich y el pop da artistas curiosos como Tujiko Noriko.

Esta cantante japonesa consigue un peculiar estilo de música electrónica. De concepto minimalista, sus canciones podriamos considerarlas como el ‘pop’ del futuro, consiguiendo crear ambientes y sensaciones muy sugerentes.

Puedes ver más cosas de Tujiko Noriko en su web o en los vídeos que tienes más abajo.

TUJIKO NORIKO web

 



glitch music

24 11 2010

Glitch music es un género de música electrónica, que data de la primera parte de la década de 1990. Es una forma muy experimental de la música, así fuera de la corriente, pero con un devoto grupo de seguidores.

Glitch music suele remontarse décadas antes de que se formalizó como un estilo musical, a los fundamentos filosóficos de Luigi Russolo “El arte de los ruidos”. Russolo, que era un futurista a principios del siglo XX, expuso muchas de sus creencias sobre el alcance futuro de la música en una carta a un amigo. En su manifiesto sostiene que los seres humanos se han acostumbrado a las cualidades sonoras del paisaje urbano, con su velocidad frenética y la energía, y el ruido de alto volumen constante. Él va a argumentar que, en respuesta a la aclimatación, los músicos del futuro tendrá que ampliar en gran medida de sus instrumentos tradicionales y las gamas, para abarcar la extensión infinita de la post-industrial paisaje sonoro.

En algún momento de principios de los ’90, la música techno se estableció como un género con fórmula predecible, sirviendo a un mercado más o menos estéticamente homogéneo de DJs y aficionados a la música dance. Al mismo tiempo de este desarrollo se produjo el crecimiento de DJs y productores ansiosos de expandir las innovaciones hacia nuevas áreas. Uno puede visualizar el techno como una gran máquina de apropiación postmoderna, con referencias asimiladoras de cultura, retorciéndolas, reinterpretándolas y luego representándolas como algo propio.
Los DJs se proveyeron de samples obtenidos de oscuros vinilos que se vendían en tiendas de poca monta y se las arreglaron para mezclar cualquier cosa imaginable durante los sets para aquellos bailarines más aventurados. Siempre trataron de superarse entre sí y era sólo una cuestión de tiempo que los DJs desenterraran la historia de la música electrónica de tiendas baratas y arqueológicas. Una vez que se abrió la puerta para explorar la historia de la música electrónica, evocando a sus más notables compositores, se puso de moda. Un puñado de DJs y compositores estaban repentinamente familiarizados con los trabajos de Karlheinz Stockhausen, Morton Subotnick y John Cage y sus influencias ayudaron a expandir el movimiento glitch.

Un par de productores finlandeses llamados Pan Sonic – por entonces conocidos como Panasonic, antes que una corporación de abogados los animaran a cambiar su nombre – guió las primeras incursiones en la experimentación electrónica. Mika Vainio, la cabeza arquitectónica del sonido Pan Sonic, utilizó osciladores sine wave y una colección de efectos de pedales poco costosos y sintetizadores para crear un sonido altamente sintético, minimal y bastante extremo. Su primer CD titulado Vakio fue editado en el verano de 1993 y fue un choque de ondas comparado con la dulce tensión del ambient-techno que era bastante popular en ese tiempo. El sonido de Pan Sonic era puro, fluorescente, de paisajes industriales; ensayos de tonos machacados y sometidos que salían lentamente, palpitando zumbidos y altos cambios de velocidad con estocadas de onda sinusoidal. El sello que fundó Vainio, Sähko Records, editó material de un creciente número de artistas, la mayoría de ellos en la sintética vena minimalista.

Como ha sido discutido anteriormente, el proyecto germano Oval estuvo experimentando con las técnicas de saltos de los CDs que ayudó a crear una nueva vertiente del glitch, de movimientos lentos de densa y fugaces texturas. Otro grupo alemán que se llaman a sí mismos Mouse On Mars, incorporó esta estética de errores de lectura digital, dentro de una estructura más bailable, cuyo resultado son oscilaciones de baja fidelidad, retorciéndose unas a otras.

Desde mediados de los ’90 en adelante, la estética de los errores de lectura digital [glitch] apareció en varios subgéneros, incluyendo drum’n’bass, drill’n’bass y trip-hop. Artistas como Aphex Twin, LTJ Bukem, Omni Trio, Wagon Christ y Goldie estaban experimentando con toda clase de manipulaciones en el área digital. La dilatación del tiempo en las voces y la reducción de bucles de percusión a ocho bits o menos, fueron unas de las primeras técnicas utilizadas en la creación de artefactos, exponiéndolos como contenidos de áreas tímbricas. El lado más experimental estaba todavía creciendo y lentamente estableciendo un lenguaje.

A finales de los ’90, el movimiento glitch estaba dando paso a la edición de nuevos lanzamientos en la música por software y el movimiento comenzó a tornarse más primitivo. Un número de artistas se estaba desarrollando. El productor japonés Ryoji Ikeda fue uno de los primeros, además de Mika Vainio en ganar exposición por sus serios pasajes sonoro con “osciladores de bajas frecuencias” [LFO]. En contraste a Vainio, Ikeda trajo una calidad serena de espiritualidad a la música glitch. Su primer CD titulado +/- fue una de las primeras ediciones de glitch que mostraron nuevos territorios en el delicado uso de las altas frecuencias y sonidos breves que se incrustaron en los oídos de los escuchas, frecuentemente dejando a la audiencia con una sensación de zumbidos en el oído interno.

Otro artista que colaboró acortando la distancia entre lo delicado y lo peligroso fue Carsten Nicolai, que graba y se presenta bajo el nombre de Alva Noto. Nicolai es también co-fundador de Noton/Rastermusic, un sello alemán que se especializa en música digital innovadora.

De igual manera, Peter Rehberg, Christian Fennesz y el proyecto sonido/red digital, Farmers Manual están fuertemente asociados con el sello Mego, localizado en Viena. Rehberg tiene la distinción de haber recibido uno de los dos únicos premios del festival Ars Electrónica en Música Digital, por su contribución a la música electrónica.

En los últimos años, el movimiento glitch ha crecido abarcando a una docena de artistas que están definiendo nuevos lenguajes en los medios digitales. Músicos tales como inmedia, Taylor Deupree, Nobuzaku Takemura, Neina, Richard Chartier, Pimmon, *0, Autopoieses y T:un[k], por nombrar algunos, constituyen la segunda ola de hackers explorando la estética glitch.

Poco a poco iremos conociendo las creaciones de artistas que se expresan con este estilo de música. Empezamos escuchando algunas obras en este estilo:

 



ableton live / primeros pasos

24 11 2010
  • Empezamos ahora a conocer el que será nuestro software principal para llevar a cabo nuestro proyecto sonoro. Ableton Live es un programa revolucionario que permite trabajar sin limitaciones con la música y el sonido. Poco a poco iremos aprendiendo su manejo y sus características principales, que nos servirán para llevar nuestro proyecto sonoro a la práctica.
  • En el siguiente enlace podéis leer un documento donde se explica, en términos generales, su funcionamiento y filosofía. Es muy importante tener claro desde el principio qué es y qué puede hacer este programa. Después, todo dependerá de nuestra imaginación y de la utilidad que queramos darle.


aphex twin

24 11 2010

Richard David James, más conocido como Aphex Twin (nacido el 18 de agosto de 1971 en Irlanda) es un reconocido productor de música electrónica tocando varios estilos del Techno, Ambient, Acid, Drum and Bass

Nacido de padres galeses en junio de 1971, James pasó su niñez en Cornwall. Experimentó con la electrónica desde muy pequeño, ganando una competición por hacer que su Sinclair ZX Spectrum tocase una melodía poniendo el volumen del televisor al máximo y alterando los colores de la pantalla produciendo diferentes ruidos.

Comenzó como DJ y músico en raves locales, tomando el pseudónimo de Aphex Twin. James bromeó en una entrevista diciendo que el origen del nombre es una combinación de un fabricante de equipos de sonido con la palabra twin (gemelo) en referencia a su hermano mayor (también llamado Richard James) que murió a una temprana edad, antes del nacimiento de AFX. James usaba la inicial D para distinguirse de su hermano mayor.

James fundó el sello Rephlex Records en 1991 y lanzó su primera grabación en este sello, así como en Mighty Force y R&S Records de Bélgica. James se mudó a Londres donde lanzó multitud de álbumes y EP en el sello Warp Records bajo multitud de pseudónimos (desde AFX y Poligon Window hasta los menos conocidos como Gak y Power Pill).

Richard también fue responsable de varios videoclips en colaboración con el aclamado director Chris Cunningham. Sus vídeos (y las portadas de sus álbumes) a menudo explotan sus rasgos faciales únicos; por ejemplo, el vídeo para “Windowlicker” usa efectos especiales y maquillaje para colocar una grotesca imagen de su cara en las cabezas de un grupo de voluptuosas modelos en bikini. También ocultó su rostro en otra pista (comúnmente llamada “la Ecuación”) del single Windowlicker, que sólo puede ser vista en el análisis espectral de la pista.

La música de Aphex Twin se extiende sobre diferentes vertientes dentro del género de música electrónica. Inicialmente, sus producciones destacaron por un sonido más duro y ácido (Ventolin a menudo es definida como una de las canciones más ásperas o más abrasivas alguna vez registradas debido sus chirriantes agudos y sus ritmos rotos), y posteriormente fue evolucionando en sus trabajos más ambient, mientras su lado más duro permaneció activo por su pseudónimo Caustic Window. En 1996, comenzó a liberar material tranquilo producido con ordenadores, también abrazó el Drum and bass y el sonido electrónica.

A finales de los años 90 vio como la música empezó a hacerse más “comercial”, y tomó represalias con el álbum de Piano Electronica/PREPARED drukqs. A finales de 2004, rumores de su vuelta a un sonido más Techno-acid están siendo realizados (comprendidos) con la nueva serie Analord.

En las entrevistas Aphex Twin es generalmente divertido, excéntrico, y confuso. En declaraciones dice que posee un coche de explorador de los años 50 (un Daimler Ferret Mark 3), un submarino, que empezó a componer ‘ambient’ a la edad de 13 años (contradiciendo la mayor parte de la historia de la música), que construye todos sus sintetizadores, también dice tener “más de 100 horas” de música no liberada, y que vive en un barco reconvertido en casa. Richard es un fotógrafo con mucho talento y ha realizado el material gráfico para algunos de sus álbumes. Aphex Twin sigue creando registros en las fronteras de las normas aceptadas de la música.

[más info de Aphex Twin en wikipedia]

en esta curiosa web podrás saber más de Aphex Twin, y descargar su música y vídeos

[Aphex Twin web]

escucha en este vídeo algo de la música más experimental de Aphex Twin […]

[…] ahora algo más ‘movido’ […]

[…] y otra cosa diferente: algo más minimalista y delicado, donde Aphex Twin juega con el sonido de cajas de música, relojes y otras cosas […]

Puedes encontrar muchos más vídeos interesantes en youtube. Si quieres, también puedes dejar un comentario sobre la música de Aphex Twin [recuerda que cualquier colaboración en el blog sube la nota].



Bus Palladium - las fotos

24 11 2010

Estos son los recuerdos de la actividad de esta mañana…

Esta película necesita Flash Player 7



Bus Palladium [actividad complementaria]

23 11 2010

El martes 23 de noviembre estuvimos en la Universidad Laboral viendo la película francesa ‘Bus Palladium’.

Es una actividad especial, porque al finalizar la proyección tuvimos la oportunidad de asistir a un encuentro con el director (Christopher Thompson) para poder hacer un coloquio y preguntarle cosas acerca de su película, de su trabajo, …

 

La película ‘Bus Palladium’ gira en torno a cuatro amigos de la infancia que deciden montar un grupo de rock a mediados de los años ochenta. El éxito les sonríe, empiezan a ensayar y en poco tiempo una casa discográfica los descubre, debutan en ‘Le Bus Palladium’, un club mítico, y sacan un primer sencillo que los lleva de gira. Pero la llegada de una chica y los entresijos del mundo del rock van a hacer que el cuarteto se tambalee.

 

TÍTULO ORIGINAL Bus Palladium
AÑO
2010
DURACIÓN
PAÍS
 
DIRECTOR Christopher Thompson
GUIÓN Christopher Thompson
MÚSICA Yarol Poupaud
FOTOGRAFÍA Rémy Chevrin
REPARTO Abraham Belaga, François Civil, Arthur Dupont, Marc-André Grondin, Nassaf Meddeb, Géraldine Pailhas, Karole Rocher, Elisa Sednaoui
PRODUCTORA LGM Productions
GÉNERO Comedia. Drama | Música. Comedia dramática



‘nikiclase’ / la web oficial de 4 ESO B

18 11 2010

Aunque no tiene nada que ver con nuestra asignatura, os animo a que veáis la web ‘NIKICLASE’, la web ‘oficial’ de la clase de 4º B.
Está realizada por Fabio Martínez, alumno también de esta asignatura, y es muy recomendable que le hagáis alguna visita…

NIKICLASE



efectos (curiosos): TALK BOX

17 11 2010

Jack Stratton utiliza maravillosamente en este vídeo el efecto ‘talk box’ para hacer una increíble versión de una fuga a 4 voces de J.S. Bach. Un músico barroco actualizado de manera más o menos ‘casera’ utilizando el curioso efecto ‘talk box’. Mira y escucha atentamente cómo suena una voz humana pasada por un ‘talk box’.

 

 

El ‘talk box’ (caja parlante) es un efecto parecido al vocoder que puede cambiar el sonido de un instrumento cambiando la forma de la boca. Se inventó en 1971 y fue utilizado por muchos músicos para conseguir sonidos un tanto ‘extraños’

 

[más información sobre el talk box]

 

En el archiconocido tema de Bon Jovi ‘Living on a prayer’, el guitarrista Ritchie Sambora utiliza el talk box para modificar el sonido de su guitarra eléctrica.

 

 

 

 



video consulta

12 11 2010

Mientras estaba trabajando en casa con Audacity, uno de los alumnos se encontró con problema a la hora de solucionar audio. Esta es su consulta…

View this video file

Se admiten soluciones para que se pueda seleccionar menos de un segundo de audio.



efectos de sonido / VOCODER

5 11 2010

Un vocoder (nombre derivado de voice coder, «codificador de voz») es un analizador y sintetizador de voz. Fue desarrollado en la década de 1930 como un codificador de voz para telecomunicaciones. Su primer uso fue la seguridad en radiocomunicaciones, donde la voz tiene que ser digitalizada, cifrada y transmitida por un canal de ancho de banda estrecho.

El vocoder se ha usado también como instrumento musical. Como instrumento, es usado con guitarras y sintetizadores y produce un sonido de «guitarra parlante» o «teclado parlante», según el instrumento. Los vocoders son usados con frecuencia para crear el sonido de un robot hablando, como en la canción Mr. Roboto de Styx. También ha sido utilizado con frecuencia en música electrónica y hip hop, por ejemplo, Beastie Boys rescataron este efecto a finales de los noventa en su popular Intergalactic.

Anteriormente fue ampliamente empleado por el grupo alemán Kraftwerk durante los años 70’s por lo que son considerados los padres de la música electrónica experimental y todas sus variantes, siendo algunas de sus más conocidas interpretaciones Die Roboter y Autobahn.

[más información sobre el VOCODER]

Mira atentamente estos vídeos para entender mejor cómo funciona un vocoder:

[…] y aquí puedes ver cómo la cantante Lenka prueba un Vocoder en un estudio de grabación […]

Y aquí, un tutorial para hacer ‘vocoding’ en Ableton Live



whithout records / instalación sonora

5 11 2010

Aquí tenemos otro ejemplo de música electrónica creada con los principios de la música concreta.

Basada en ruidos producidos por simples ‘platos’ o ‘tocadiscos’, Otomo Yoshihide crea una obra que nos puede servir de inspiración para ir planteando algunas cosas de nuestro proyecto […]



John Cage / 4′33”

5 11 2010

John Cage (Estados Unidos, 1912-1992), , al que ya conocemos en nuestra calse, es otro de los compositores más importantes e influyentes del siglo XX, y, con sus creaciones, eliminó cualquier tipo de corsé que pudiera quedarle a la composición contemporánea.

A pesar de haber compuesto muchas obras importantes, Cage pasará (pasó) a la historia por su obra “4′33″, una obra en tres movimientos en las que no se toca ni una sola nota. Según el autor, el contenido de la composición es, ni más ni menos, el propio sonido del entorno donde se ejecuta la obra, así como el sonido que producen los propios oyentes mientras ‘esperan’ escuchar algo de música.

Puedes ver en este vídeo una representación de “4′33″, en una versión para Orquesta Sinfónica.

Y en este otro, la misma obra en una versión para piano.

Como ejercicio voluntario, puedes hacer un comentario o reflexión sobre esta composición […]

John Cage

4′33”