ISCM_playlist

4 03 2011

Pulsa en el enlace para ir a la playlist de ISCM en Spotify. Podrás escuchar nuestra selección de música electrónica.

ISCM PLAYLIST SPOTIFY

También tienes el enlace en la columna de la derecha del blog, sección ENLACES.



kim cascone

2 03 2011

Kim Cascone es un músico electrónico experimental muy interesante.

Ha estado involucrado con la música electrónica desde hace más de 20 años desde sus estudios en Berklee College of Music y en la New School (con Dana McCurdy) durante el decenio de 1970. En la década de 1980 Cascone a trabajado con David Lynch como asistente del editor  músical en Twin Peaks. Salió de la industria cinematográfica en 1991 para concentrarse en Silent Records, un sello que fundó en 1986, creando en los EE.UU. uno de los primeros sellos de música electrónica. Vendió Silent Records en 1996, a la altura de su éxito, con el fin de lograr una carrera como diseñador de sonido.

Su música es muy especial, y para conseguirla utiliza sonidos extraños y grabaciones que manipula electrónicamente. Las sonoridades que plasma Kim Cascone en sus grabaciones pueden ser una buena guía para lo que podemos hacer en nuestros proyectos…

Puedes ver PULSANDO AQUÍ unos apuntes muy interesantes, en inglés, escritos por Kim Cascone sobre la creación e interpretación de música electrónica con ordenadores.

Escucha en SPOTIFY este tema y haz un comentario riguroso sobre lo que te sugiere o parece…



burial

2 03 2011

Burial es el nombre artístico del músico inglés de dubstep William Bevan. Su álbum debut homónimo fue lanzado en 2006 y recibió el apoyo de la crítica, con la revista The Wire nombrándolo disco del año, y estando en la lista de lo mejor del 2006 en publicaciones como The Observer y Mixmag. El 5 de noviembre de 2007 fue lanzado su segundo disco, Untrue, que obtuvo un éxito de críticas aún mayor, siendo Burial nominado alMercury Music Prize en 2008 y colocando su álbum entre los cinco mejores del año de acuerdo con Metacritic.

Burial (en principio) no revela su verdadero nombre. No actúa en directo. No aparece en fotografías. Y apenas ha confesado a unos pocos conocidos su verdadera ocupación: “Sólo cinco personas aparte de mi familia conocen lo que hago”, declaró a The Wire, en una de sus muy contadas entrevistas. El artista es la estrella más oscura de la música electrónica y también uno de los nombres clave en el dubstep, género también elusivo, mezcla de dub, drum and bass y techno minimalista, que nació en los barrios del sur de Londres a principios de esta década. Por sus ritmos atronadores, melodías sombrías y visión apocalíptica, el estilo parecía condenado a permanecer en el subsuelo, alimentando radios piratas y madrugadas londinenses. Pero el boca-oreja hizo que el primer disco homónimo de Burial, que pintaba un Londres futuro ahogado bajo el agua, se hiciera eco más allá de la prensa especializada. Con Untrue no ha hecho sino llegar la confirmación. Su segundo trabajo es tan melancólico y extrañado como el primero, pero añade voces que parecen de otro mundo, presencias de ángeles desgraciados, ruidos de llaves de coche y disparos. Narra historias de fantasmas -el tema le fascina aparentemente-, viajes en autobuses nocturnos, ecos de fiestas pasadas, noches solitarias en un McDonald’s. Un sonido que, con todo, el productor Kode 9 no encasillaría en el dubstep. Amigo del artista y fundador de la discográfica Hyperdub, que publica el trabajo de Burial, disiente por correo electrónico: “Su música es totalmente diferente. […] Es un subgénero en sí misma”.

Sea como sea, las críticas entusiastas no hacen sino acrecentar el interés sobre su figura. Existen todo tipo de rumores y teorías. Hay quien dice que Burial es una mujer; que se trata de alguien mayor intentando hacerse pasar por veinteañero; que es un productor que quiere diversificar su trabajo… Burial declaró al diario británico The Guardian que simplemente “quiere recuperar el arte de guardar un secreto, para que mi público se sienta más cerca de la música”.

ESCUCHA A BURIAL EN SPOTIFY y haz un comentario en el blog.

BURIAL EN MySpace



james blake

18 02 2011

 James Blake CD cover

Recomiendo escuchar el reciente disco de James Blake, un joven (23 años) músico británico que acaba de sacar su primer trabajo.Nos encontramos ante una música ciertamente ‘inquietante’, a pesar de que se trata de una serie de canciones aparentemente de origen ’soul’, donde predomina la voz y el piano. Es es tratamiento de la voz, los ritmos cortados y la producción electrónica lo que hacen de esta música algo diferente y en cierta manera novedosa.
Partiendo de sencillas melodías con forma de canción, James Blake ‘retuerce’ y ensucia sus canciones utilizando magistralmente la tecnología (siempre de manera minimalista), consiguiendo un estilo absolutamente personal, original y novedoso… un ejemplo más de como la electrónica se convierte en el futuro de la nueva música.
Escucha algún tema de James Blake en algún portal de internet (SPOTIFY, por ejemplo) y comenta en el blog lo que te parece…

JAMES BLAKE web
JAMES BLAKE en MySpace

si eres ya usuario de SPOTIFY, pulsa para escuchar el disco 



livelooping music [loops en tiempo real]

9 02 2011

El ‘livelooping’ (grabación de loops en tiempo real) es una técnica muy utilizada en las formas más experimentales de música electrónica (y otras, como el pop o el rock alternativos). La técnica consiste en grabar frases cortas de música, que se van sumando y creando una textura o una canción, como el caso de los vídeos de ejemplo.

Los resultados son bastante asombrosos: un sólo músico puede crear una canción entera grabándose a sí mismo.

Artistas como David Ford o Juana Molina utilizan esta técnica en sus conciertos, creando canciones y ambientes únicos. Esta técnica de ‘livelooping’, que parece sencilla a primera vista, requiere mucha preparación previa, ensayos y una gran dosis de precisión a la hora de ir grabando las diferentes capas.

Podéis utilizar el ‘liveloooping’ (si es necesario) en alguno de vuestros proyectos.

livelooping.org



‘music for one apartment and six drummers’

6 01 2011

Empezamos el año con esta composición-cortometraje: “música para un apartamento y seis percusionistas”



Enrique Morente

13 12 2010

Enrique Morente fue y será uno de los cantaores y compositores de flamenco más importantes de la historia. Él supo, mejor que nadie, abrir el flamenco a otras músicas y renovarlo como nunca antes se había hecho, fusionándolo con otros estilos aparentemente lejanos al cante ‘jondo’.

Con estos dos temas queremos hacerle nuestro pequeño homenaje…

OMEGA (del CD ‘Omega’ - 1996)
enrique morente + lagartija nick (fusión flamenco + rock progresivo)
letra: Federico García Lorca / tradicional

RELOJ MOLESTO (del CD ‘El pequeño reloj’ - 2003)
tema compuesto sobre la Sonata op. 27, ‘Claro de Luna’, de L. V. Beethoven

“La humanidad es patrimonio del flamenco”.
(E. Morente. Declaraciones al conocerse que la UNESCO declaraba al flamenco patrimonio cultural de la humanidad).



ryoichi kurokawa

1 12 2010

Ryoichi Kurokawa es uno de los artistas electrónicos más avanzados y experimentales de la actualidad.
Este japonés trabaja de una manera muy personal la música electrónica de texturas y las creaciones visuales en directo. Realmente, en los creaciones de Kurokawa no se sabe si la música genera la imagen o si la imagen genera la música.
Sus composiciones y performances en directo parecen música de otro planeta […]

VER VÍDEOS DE RYOICHI KUROKAWA



tujiko noriko

24 11 2010

La mezcla del glich y el pop da artistas curiosos como Tujiko Noriko.

Esta cantante japonesa consigue un peculiar estilo de música electrónica. De concepto minimalista, sus canciones podriamos considerarlas como el ‘pop’ del futuro, consiguiendo crear ambientes y sensaciones muy sugerentes.

Puedes ver más cosas de Tujiko Noriko en su web o en los vídeos que tienes más abajo.

TUJIKO NORIKO web

 



glitch music

24 11 2010

Glitch music es un género de música electrónica, que data de la primera parte de la década de 1990. Es una forma muy experimental de la música, así fuera de la corriente, pero con un devoto grupo de seguidores.

Glitch music suele remontarse décadas antes de que se formalizó como un estilo musical, a los fundamentos filosóficos de Luigi Russolo “El arte de los ruidos”. Russolo, que era un futurista a principios del siglo XX, expuso muchas de sus creencias sobre el alcance futuro de la música en una carta a un amigo. En su manifiesto sostiene que los seres humanos se han acostumbrado a las cualidades sonoras del paisaje urbano, con su velocidad frenética y la energía, y el ruido de alto volumen constante. Él va a argumentar que, en respuesta a la aclimatación, los músicos del futuro tendrá que ampliar en gran medida de sus instrumentos tradicionales y las gamas, para abarcar la extensión infinita de la post-industrial paisaje sonoro.

En algún momento de principios de los ’90, la música techno se estableció como un género con fórmula predecible, sirviendo a un mercado más o menos estéticamente homogéneo de DJs y aficionados a la música dance. Al mismo tiempo de este desarrollo se produjo el crecimiento de DJs y productores ansiosos de expandir las innovaciones hacia nuevas áreas. Uno puede visualizar el techno como una gran máquina de apropiación postmoderna, con referencias asimiladoras de cultura, retorciéndolas, reinterpretándolas y luego representándolas como algo propio.
Los DJs se proveyeron de samples obtenidos de oscuros vinilos que se vendían en tiendas de poca monta y se las arreglaron para mezclar cualquier cosa imaginable durante los sets para aquellos bailarines más aventurados. Siempre trataron de superarse entre sí y era sólo una cuestión de tiempo que los DJs desenterraran la historia de la música electrónica de tiendas baratas y arqueológicas. Una vez que se abrió la puerta para explorar la historia de la música electrónica, evocando a sus más notables compositores, se puso de moda. Un puñado de DJs y compositores estaban repentinamente familiarizados con los trabajos de Karlheinz Stockhausen, Morton Subotnick y John Cage y sus influencias ayudaron a expandir el movimiento glitch.

Un par de productores finlandeses llamados Pan Sonic – por entonces conocidos como Panasonic, antes que una corporación de abogados los animaran a cambiar su nombre – guió las primeras incursiones en la experimentación electrónica. Mika Vainio, la cabeza arquitectónica del sonido Pan Sonic, utilizó osciladores sine wave y una colección de efectos de pedales poco costosos y sintetizadores para crear un sonido altamente sintético, minimal y bastante extremo. Su primer CD titulado Vakio fue editado en el verano de 1993 y fue un choque de ondas comparado con la dulce tensión del ambient-techno que era bastante popular en ese tiempo. El sonido de Pan Sonic era puro, fluorescente, de paisajes industriales; ensayos de tonos machacados y sometidos que salían lentamente, palpitando zumbidos y altos cambios de velocidad con estocadas de onda sinusoidal. El sello que fundó Vainio, Sähko Records, editó material de un creciente número de artistas, la mayoría de ellos en la sintética vena minimalista.

Como ha sido discutido anteriormente, el proyecto germano Oval estuvo experimentando con las técnicas de saltos de los CDs que ayudó a crear una nueva vertiente del glitch, de movimientos lentos de densa y fugaces texturas. Otro grupo alemán que se llaman a sí mismos Mouse On Mars, incorporó esta estética de errores de lectura digital, dentro de una estructura más bailable, cuyo resultado son oscilaciones de baja fidelidad, retorciéndose unas a otras.

Desde mediados de los ’90 en adelante, la estética de los errores de lectura digital [glitch] apareció en varios subgéneros, incluyendo drum’n’bass, drill’n’bass y trip-hop. Artistas como Aphex Twin, LTJ Bukem, Omni Trio, Wagon Christ y Goldie estaban experimentando con toda clase de manipulaciones en el área digital. La dilatación del tiempo en las voces y la reducción de bucles de percusión a ocho bits o menos, fueron unas de las primeras técnicas utilizadas en la creación de artefactos, exponiéndolos como contenidos de áreas tímbricas. El lado más experimental estaba todavía creciendo y lentamente estableciendo un lenguaje.

A finales de los ’90, el movimiento glitch estaba dando paso a la edición de nuevos lanzamientos en la música por software y el movimiento comenzó a tornarse más primitivo. Un número de artistas se estaba desarrollando. El productor japonés Ryoji Ikeda fue uno de los primeros, además de Mika Vainio en ganar exposición por sus serios pasajes sonoro con “osciladores de bajas frecuencias” [LFO]. En contraste a Vainio, Ikeda trajo una calidad serena de espiritualidad a la música glitch. Su primer CD titulado +/- fue una de las primeras ediciones de glitch que mostraron nuevos territorios en el delicado uso de las altas frecuencias y sonidos breves que se incrustaron en los oídos de los escuchas, frecuentemente dejando a la audiencia con una sensación de zumbidos en el oído interno.

Otro artista que colaboró acortando la distancia entre lo delicado y lo peligroso fue Carsten Nicolai, que graba y se presenta bajo el nombre de Alva Noto. Nicolai es también co-fundador de Noton/Rastermusic, un sello alemán que se especializa en música digital innovadora.

De igual manera, Peter Rehberg, Christian Fennesz y el proyecto sonido/red digital, Farmers Manual están fuertemente asociados con el sello Mego, localizado en Viena. Rehberg tiene la distinción de haber recibido uno de los dos únicos premios del festival Ars Electrónica en Música Digital, por su contribución a la música electrónica.

En los últimos años, el movimiento glitch ha crecido abarcando a una docena de artistas que están definiendo nuevos lenguajes en los medios digitales. Músicos tales como inmedia, Taylor Deupree, Nobuzaku Takemura, Neina, Richard Chartier, Pimmon, *0, Autopoieses y T:un[k], por nombrar algunos, constituyen la segunda ola de hackers explorando la estética glitch.

Poco a poco iremos conociendo las creaciones de artistas que se expresan con este estilo de música. Empezamos escuchando algunas obras en este estilo:

 



aphex twin

24 11 2010

Richard David James, más conocido como Aphex Twin (nacido el 18 de agosto de 1971 en Irlanda) es un reconocido productor de música electrónica tocando varios estilos del Techno, Ambient, Acid, Drum and Bass

Nacido de padres galeses en junio de 1971, James pasó su niñez en Cornwall. Experimentó con la electrónica desde muy pequeño, ganando una competición por hacer que su Sinclair ZX Spectrum tocase una melodía poniendo el volumen del televisor al máximo y alterando los colores de la pantalla produciendo diferentes ruidos.

Comenzó como DJ y músico en raves locales, tomando el pseudónimo de Aphex Twin. James bromeó en una entrevista diciendo que el origen del nombre es una combinación de un fabricante de equipos de sonido con la palabra twin (gemelo) en referencia a su hermano mayor (también llamado Richard James) que murió a una temprana edad, antes del nacimiento de AFX. James usaba la inicial D para distinguirse de su hermano mayor.

James fundó el sello Rephlex Records en 1991 y lanzó su primera grabación en este sello, así como en Mighty Force y R&S Records de Bélgica. James se mudó a Londres donde lanzó multitud de álbumes y EP en el sello Warp Records bajo multitud de pseudónimos (desde AFX y Poligon Window hasta los menos conocidos como Gak y Power Pill).

Richard también fue responsable de varios videoclips en colaboración con el aclamado director Chris Cunningham. Sus vídeos (y las portadas de sus álbumes) a menudo explotan sus rasgos faciales únicos; por ejemplo, el vídeo para “Windowlicker” usa efectos especiales y maquillaje para colocar una grotesca imagen de su cara en las cabezas de un grupo de voluptuosas modelos en bikini. También ocultó su rostro en otra pista (comúnmente llamada “la Ecuación”) del single Windowlicker, que sólo puede ser vista en el análisis espectral de la pista.

La música de Aphex Twin se extiende sobre diferentes vertientes dentro del género de música electrónica. Inicialmente, sus producciones destacaron por un sonido más duro y ácido (Ventolin a menudo es definida como una de las canciones más ásperas o más abrasivas alguna vez registradas debido sus chirriantes agudos y sus ritmos rotos), y posteriormente fue evolucionando en sus trabajos más ambient, mientras su lado más duro permaneció activo por su pseudónimo Caustic Window. En 1996, comenzó a liberar material tranquilo producido con ordenadores, también abrazó el Drum and bass y el sonido electrónica.

A finales de los años 90 vio como la música empezó a hacerse más “comercial”, y tomó represalias con el álbum de Piano Electronica/PREPARED drukqs. A finales de 2004, rumores de su vuelta a un sonido más Techno-acid están siendo realizados (comprendidos) con la nueva serie Analord.

En las entrevistas Aphex Twin es generalmente divertido, excéntrico, y confuso. En declaraciones dice que posee un coche de explorador de los años 50 (un Daimler Ferret Mark 3), un submarino, que empezó a componer ‘ambient’ a la edad de 13 años (contradiciendo la mayor parte de la historia de la música), que construye todos sus sintetizadores, también dice tener “más de 100 horas” de música no liberada, y que vive en un barco reconvertido en casa. Richard es un fotógrafo con mucho talento y ha realizado el material gráfico para algunos de sus álbumes. Aphex Twin sigue creando registros en las fronteras de las normas aceptadas de la música.

[más info de Aphex Twin en wikipedia]

en esta curiosa web podrás saber más de Aphex Twin, y descargar su música y vídeos

[Aphex Twin web]

escucha en este vídeo algo de la música más experimental de Aphex Twin […]

[…] ahora algo más ‘movido’ […]

[…] y otra cosa diferente: algo más minimalista y delicado, donde Aphex Twin juega con el sonido de cajas de música, relojes y otras cosas […]

Puedes encontrar muchos más vídeos interesantes en youtube. Si quieres, también puedes dejar un comentario sobre la música de Aphex Twin [recuerda que cualquier colaboración en el blog sube la nota].



whithout records / instalación sonora

5 11 2010

Aquí tenemos otro ejemplo de música electrónica creada con los principios de la música concreta.

Basada en ruidos producidos por simples ‘platos’ o ‘tocadiscos’, Otomo Yoshihide crea una obra que nos puede servir de inspiración para ir planteando algunas cosas de nuestro proyecto […]



John Cage / 4′33”

5 11 2010

John Cage (Estados Unidos, 1912-1992), , al que ya conocemos en nuestra calse, es otro de los compositores más importantes e influyentes del siglo XX, y, con sus creaciones, eliminó cualquier tipo de corsé que pudiera quedarle a la composición contemporánea.

A pesar de haber compuesto muchas obras importantes, Cage pasará (pasó) a la historia por su obra “4′33″, una obra en tres movimientos en las que no se toca ni una sola nota. Según el autor, el contenido de la composición es, ni más ni menos, el propio sonido del entorno donde se ejecuta la obra, así como el sonido que producen los propios oyentes mientras ‘esperan’ escuchar algo de música.

Puedes ver en este vídeo una representación de “4′33″, en una versión para Orquesta Sinfónica.

Y en este otro, la misma obra en una versión para piano.

Como ejercicio voluntario, puedes hacer un comentario o reflexión sobre esta composición […]

John Cage

4′33”

 



Terry Riley / In C

5 11 2010

Terry Riley (Estados Unidos, 1935) es uno de los compositores minimalistas más conocidos e importantes.

Influenciado al principio por Karl Heinz Stockhausen, Riley cambió el rumbo de su música hacia el minimalismo, un estilo que, básicamente, pretende crear obras artísticas -en este caso musicales- con los mínimos elementos posibles. Una de las técnicas más empleadas dentro de este estilo (también en la música concreta) es la repetición de elementos sencillos, consiguiendo crear ambientes ‘obsesivos’ que son la característica principal de este tipo de música.

Terry Riley añade a sus creaciones la manipulación en vivo de los instrumentos mediante efectos electrónicos, creando nuevas sonoridades que han habierto muchos campos a los nuevos compositores.

más información sobre Terry Riley (en inglés)

 

Una de sus obras más conocidas en ‘In C’ (en Do), donde la repetición constante de la nota Do es la base de toda la obra.

Esta pieza, compuesta en 1964, está concebida para “cualquier número de intérpretes”, y se basa en técnicas de composición seriales y minimalistas: la pieza se compone de 53 pequeñas frases musicales de diferentes duraciones, y cada música elige aleatoreamente una de ellas y la repite un número indefinido de veces. Por todo ello, cada interpretación de la obra es única e irrepetible, y puede tener cualquier duración.

pulsa aquí para ver más información de ‘In C’ (en inglés)