aphex twin

24 11 2010

Richard David James, más conocido como Aphex Twin (nacido el 18 de agosto de 1971 en Irlanda) es un reconocido productor de música electrónica tocando varios estilos del Techno, Ambient, Acid, Drum and Bass

Nacido de padres galeses en junio de 1971, James pasó su niñez en Cornwall. Experimentó con la electrónica desde muy pequeño, ganando una competición por hacer que su Sinclair ZX Spectrum tocase una melodía poniendo el volumen del televisor al máximo y alterando los colores de la pantalla produciendo diferentes ruidos.

Comenzó como DJ y músico en raves locales, tomando el pseudónimo de Aphex Twin. James bromeó en una entrevista diciendo que el origen del nombre es una combinación de un fabricante de equipos de sonido con la palabra twin (gemelo) en referencia a su hermano mayor (también llamado Richard James) que murió a una temprana edad, antes del nacimiento de AFX. James usaba la inicial D para distinguirse de su hermano mayor.

James fundó el sello Rephlex Records en 1991 y lanzó su primera grabación en este sello, así como en Mighty Force y R&S Records de Bélgica. James se mudó a Londres donde lanzó multitud de álbumes y EP en el sello Warp Records bajo multitud de pseudónimos (desde AFX y Poligon Window hasta los menos conocidos como Gak y Power Pill).

Richard también fue responsable de varios videoclips en colaboración con el aclamado director Chris Cunningham. Sus vídeos (y las portadas de sus álbumes) a menudo explotan sus rasgos faciales únicos; por ejemplo, el vídeo para “Windowlicker” usa efectos especiales y maquillaje para colocar una grotesca imagen de su cara en las cabezas de un grupo de voluptuosas modelos en bikini. También ocultó su rostro en otra pista (comúnmente llamada “la Ecuación”) del single Windowlicker, que sólo puede ser vista en el análisis espectral de la pista.

La música de Aphex Twin se extiende sobre diferentes vertientes dentro del género de música electrónica. Inicialmente, sus producciones destacaron por un sonido más duro y ácido (Ventolin a menudo es definida como una de las canciones más ásperas o más abrasivas alguna vez registradas debido sus chirriantes agudos y sus ritmos rotos), y posteriormente fue evolucionando en sus trabajos más ambient, mientras su lado más duro permaneció activo por su pseudónimo Caustic Window. En 1996, comenzó a liberar material tranquilo producido con ordenadores, también abrazó el Drum and bass y el sonido electrónica.

A finales de los años 90 vio como la música empezó a hacerse más “comercial”, y tomó represalias con el álbum de Piano Electronica/PREPARED drukqs. A finales de 2004, rumores de su vuelta a un sonido más Techno-acid están siendo realizados (comprendidos) con la nueva serie Analord.

En las entrevistas Aphex Twin es generalmente divertido, excéntrico, y confuso. En declaraciones dice que posee un coche de explorador de los años 50 (un Daimler Ferret Mark 3), un submarino, que empezó a componer ‘ambient’ a la edad de 13 años (contradiciendo la mayor parte de la historia de la música), que construye todos sus sintetizadores, también dice tener “más de 100 horas” de música no liberada, y que vive en un barco reconvertido en casa. Richard es un fotógrafo con mucho talento y ha realizado el material gráfico para algunos de sus álbumes. Aphex Twin sigue creando registros en las fronteras de las normas aceptadas de la música.

[más info de Aphex Twin en wikipedia]

en esta curiosa web podrás saber más de Aphex Twin, y descargar su música y vídeos

[Aphex Twin web]

escucha en este vídeo algo de la música más experimental de Aphex Twin […]

[…] ahora algo más ‘movido’ […]

[…] y otra cosa diferente: algo más minimalista y delicado, donde Aphex Twin juega con el sonido de cajas de música, relojes y otras cosas […]

Puedes encontrar muchos más vídeos interesantes en youtube. Si quieres, también puedes dejar un comentario sobre la música de Aphex Twin [recuerda que cualquier colaboración en el blog sube la nota].



Bus Palladium [actividad complementaria]

23 11 2010

El martes 23 de noviembre estuvimos en la Universidad Laboral viendo la película francesa ‘Bus Palladium’.

Es una actividad especial, porque al finalizar la proyección tuvimos la oportunidad de asistir a un encuentro con el director (Christopher Thompson) para poder hacer un coloquio y preguntarle cosas acerca de su película, de su trabajo, …

 

La película ‘Bus Palladium’ gira en torno a cuatro amigos de la infancia que deciden montar un grupo de rock a mediados de los años ochenta. El éxito les sonríe, empiezan a ensayar y en poco tiempo una casa discográfica los descubre, debutan en ‘Le Bus Palladium’, un club mítico, y sacan un primer sencillo que los lleva de gira. Pero la llegada de una chica y los entresijos del mundo del rock van a hacer que el cuarteto se tambalee.

 

TÍTULO ORIGINAL Bus Palladium
AÑO
2010
DURACIÓN
PAÍS
 
DIRECTOR Christopher Thompson
GUIÓN Christopher Thompson
MÚSICA Yarol Poupaud
FOTOGRAFÍA Rémy Chevrin
REPARTO Abraham Belaga, François Civil, Arthur Dupont, Marc-André Grondin, Nassaf Meddeb, Géraldine Pailhas, Karole Rocher, Elisa Sednaoui
PRODUCTORA LGM Productions
GÉNERO Comedia. Drama | Música. Comedia dramática



efectos (curiosos): TALK BOX

17 11 2010

Jack Stratton utiliza maravillosamente en este vídeo el efecto ‘talk box’ para hacer una increíble versión de una fuga a 4 voces de J.S. Bach. Un músico barroco actualizado de manera más o menos ‘casera’ utilizando el curioso efecto ‘talk box’. Mira y escucha atentamente cómo suena una voz humana pasada por un ‘talk box’.

 

 

El ‘talk box’ (caja parlante) es un efecto parecido al vocoder que puede cambiar el sonido de un instrumento cambiando la forma de la boca. Se inventó en 1971 y fue utilizado por muchos músicos para conseguir sonidos un tanto ‘extraños’

 

[más información sobre el talk box]

 

En el archiconocido tema de Bon Jovi ‘Living on a prayer’, el guitarrista Ritchie Sambora utiliza el talk box para modificar el sonido de su guitarra eléctrica.

 

 

 

 



video consulta

12 11 2010

Mientras estaba trabajando en casa con Audacity, uno de los alumnos se encontró con problema a la hora de solucionar audio. Esta es su consulta…

View this video file

Se admiten soluciones para que se pueda seleccionar menos de un segundo de audio.



efectos de sonido / VOCODER

5 11 2010

Un vocoder (nombre derivado de voice coder, «codificador de voz») es un analizador y sintetizador de voz. Fue desarrollado en la década de 1930 como un codificador de voz para telecomunicaciones. Su primer uso fue la seguridad en radiocomunicaciones, donde la voz tiene que ser digitalizada, cifrada y transmitida por un canal de ancho de banda estrecho.

El vocoder se ha usado también como instrumento musical. Como instrumento, es usado con guitarras y sintetizadores y produce un sonido de «guitarra parlante» o «teclado parlante», según el instrumento. Los vocoders son usados con frecuencia para crear el sonido de un robot hablando, como en la canción Mr. Roboto de Styx. También ha sido utilizado con frecuencia en música electrónica y hip hop, por ejemplo, Beastie Boys rescataron este efecto a finales de los noventa en su popular Intergalactic.

Anteriormente fue ampliamente empleado por el grupo alemán Kraftwerk durante los años 70’s por lo que son considerados los padres de la música electrónica experimental y todas sus variantes, siendo algunas de sus más conocidas interpretaciones Die Roboter y Autobahn.

[más información sobre el VOCODER]

Mira atentamente estos vídeos para entender mejor cómo funciona un vocoder:

[…] y aquí puedes ver cómo la cantante Lenka prueba un Vocoder en un estudio de grabación […]

Y aquí, un tutorial para hacer ‘vocoding’ en Ableton Live



whithout records / instalación sonora

5 11 2010

Aquí tenemos otro ejemplo de música electrónica creada con los principios de la música concreta.

Basada en ruidos producidos por simples ‘platos’ o ‘tocadiscos’, Otomo Yoshihide crea una obra que nos puede servir de inspiración para ir planteando algunas cosas de nuestro proyecto […]



John Cage / 4′33”

5 11 2010

John Cage (Estados Unidos, 1912-1992), , al que ya conocemos en nuestra calse, es otro de los compositores más importantes e influyentes del siglo XX, y, con sus creaciones, eliminó cualquier tipo de corsé que pudiera quedarle a la composición contemporánea.

A pesar de haber compuesto muchas obras importantes, Cage pasará (pasó) a la historia por su obra “4′33″, una obra en tres movimientos en las que no se toca ni una sola nota. Según el autor, el contenido de la composición es, ni más ni menos, el propio sonido del entorno donde se ejecuta la obra, así como el sonido que producen los propios oyentes mientras ‘esperan’ escuchar algo de música.

Puedes ver en este vídeo una representación de “4′33″, en una versión para Orquesta Sinfónica.

Y en este otro, la misma obra en una versión para piano.

Como ejercicio voluntario, puedes hacer un comentario o reflexión sobre esta composición […]

John Cage

4′33”

 



Terry Riley / In C

5 11 2010

Terry Riley (Estados Unidos, 1935) es uno de los compositores minimalistas más conocidos e importantes.

Influenciado al principio por Karl Heinz Stockhausen, Riley cambió el rumbo de su música hacia el minimalismo, un estilo que, básicamente, pretende crear obras artísticas -en este caso musicales- con los mínimos elementos posibles. Una de las técnicas más empleadas dentro de este estilo (también en la música concreta) es la repetición de elementos sencillos, consiguiendo crear ambientes ‘obsesivos’ que son la característica principal de este tipo de música.

Terry Riley añade a sus creaciones la manipulación en vivo de los instrumentos mediante efectos electrónicos, creando nuevas sonoridades que han habierto muchos campos a los nuevos compositores.

más información sobre Terry Riley (en inglés)

 

Una de sus obras más conocidas en ‘In C’ (en Do), donde la repetición constante de la nota Do es la base de toda la obra.

Esta pieza, compuesta en 1964, está concebida para “cualquier número de intérpretes”, y se basa en técnicas de composición seriales y minimalistas: la pieza se compone de 53 pequeñas frases musicales de diferentes duraciones, y cada música elige aleatoreamente una de ellas y la repite un número indefinido de veces. Por todo ello, cada interpretación de la obra es única e irrepetible, y puede tener cualquier duración.

pulsa aquí para ver más información de ‘In C’ (en inglés)

 



colaboración con la asignatura de asturiano //

3 11 2010

Desde ISCM realizaremos una pequeña colaboración con la asignatura de Asturiano.
Necesitan varias canciones para cantar en el aula, pero quieren que no se escuche la voz para poder hacer una especie de karaoke. Nosotros lo intentaremos con el editor de audio Audacity, y además nos servirá como ejercicio para aplicar algunas cosas de lo aprendido hasta ahora.
Dejaremos en el blog algunos de los resultados…



improvisación concreta #1

22 10 2010

Esta es nuestra primera práctica y toma de contacto con la música concreta.

Después de varias clases teóricas, donde hemos conocido los principios básicos de la manipulación del sonido, comenzamos con nuestra primera experiencia práctica.

La idea es sencilla: partiendo de la nada, y exclusivamente con los recursos que nos ofrece un ordenador portátil, vamos a crear/improvisar una obra de música concreta colaborativa, una especie de ‘tormenta de ideas’.

Un alumno propone un punto de partida cualquiera. Sucesivamente, los alumnos van saliendo y modifican o añaden cosas a lo ya creado.

Primer día de trabajo: unos casquidos de dedos y dos palmadas grabadas con el micrófono incorporado del ordenador. Un par de sonidos creados dentro de Audacity […] Algunas modificaciones más tarde dan como resultado el siguiente fragmento, que es la primera idea de nuestra obra colaborativa (e improvisada sobre la marcha…)

Recordatorio: escuchar con la máxima calidad posible (nunca con los altavoces incorporados del ordenador).

En nuestra siguiente clase hemos hecho algunos pequeños cambios y añadidos. El sonido de las palmas modificadas nos parecía que empezaba a sonar muy al principio del tema, con lo que lo hemos retrasado y bajado su volumen. Además, hemos añadido una nueva pista creando unos sonidos pros de onda sinusoidal con las notas Do5-La5-Re5. Poco a poco la mini-pieza va tomando forma…

Seguimos intentando darle forma al tema (lo hacemos poco a poco). Lo siguiente fue cambiar el tono de las tres notas añadidas la última vez y hacer que suenen justo cuando el sonido grave deja de sonar. Además, hemos quitado el sonido de las palmas con efecto: lo dejaremos para más adelante.

Nuestro siguiente avance consiste en pequeños cambios de estructura y contendio, jugando con el material del que ya disponíamos: cambios de tono en las células sinusoidales, cambio de duraciones y timbre en alguna de las otras pistas de audio.



editor de audio: Audacity

22 10 2010

Audacity es un programa de software libre que utilizaremos para editar el audio que necesitemos para nuestro proyecto.

Es un programa básico que permite realizar las funciones básicas que se pueden exigir a un editor de audio, y nos permitirá preparar los fragmentos de audio para exportarlos posteriormente a otro tipo de programas. También puede servirnos para realizar la totalidad de nuestro proyecto, según nuestras necesidades.

No olvidemos que las opciones que nos ofrece Audacity superan enormemente los medios técnicos de los que disponían los primeros compositores que crearon música concreta.

A continuación puedes ver algunos tutoriales del programa:

Aspectos básicos del programa

 

¿Cómo quitar la voz a una canción? Mira estos dos tutoriales…

y aquí otro tutorial para conseguir que nuestra voz se convierta en una voz satánica y robótica…

 

AUDACITY



Protegido: control de conocimientos #1

20 10 2010

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caja de ritmos [drum machine / groove machine]

20 10 2010

Una caja de ritmos es un instrumento musical electrónico que permite componer, programar y reproducir patrones de ritmo mediante un secuenciador interno y un generador de sonidos de percusión.

Breve repaso histórico. El primer intento de crear un compositor de ritmos automático fue llevado a cabo entre 1930 y 1931 por el compositor estadounidense Henry Cowell y el ingeniero ruso Léon Theremin (inventor del conocido instrumento electrónico que lleva su nombre). Éste consistía en un complejo aparato electromecánico llamado Ritmicón. La secuencia rítmica era introducida por medio de un pequeño teclado musical y quedaba “grabada” en unos discos metálicos perforados. Al girar éstos permitían o interrumpían el paso de luz a través de unas células fotoeléctricas conectadas al generador de sonido. Los sonidos eran muy simples y se basaban en la adición y sustracción de un número limitado de armónicos generados por un oscilador de onda senoidal mediante tubos de vacío. La primera caja de ritmos programable, como tal, hace aparición en los años 70 a manos de la compañía japonesa Roland. Ésta es la Roland CR-78. Al igual que los sitentizadores de la época la generación de sonido era analógica. A la CR–78 le siguió la famosa serie TRque influyó de forma decisiva en la evolución de la música electrónica y el dance. Cabe destacar el célebre modelo TR–909 como un híbrido analógico y digital, ya que su generación de sonido aplicaba ambas tecnologías, además de implementar interfaz MIDI en lugar del control por voltaje (CV/Gate) que usaban sus predecesoras. Curiosamente esta caja de ritmos fue muy rechazada al principio ya que su sonido no era ni completamente electrónico ni completamente acústico, aunque hubo multitud de grupos, incluso rock, que la usaron como sustituto real a una batería acústica.Con el avance de la tecnología digital a mediados de los años 80 el sonido de las cajas de ritmo cambió radicalmente, al permitir trabajar directamente sobre muestras de sonido real, además de ofrecer la posibilidad de añadir nuevos sonidos mediante tarjetas de expansión. Algunos aparatos de la última (y final) generación eran tan sofisticados que daban la posibilidad de añadir sutilmente el “error humano” en las secuencias, así como las diferencias que se producen al golpear los instrumentos en distintas zonas de su superficie.

Auge y declive. Como se ha dicho, la caja de rimos influyó decisivamente en el desarrollo de la música electrónica, pero también en géneros aledaños como el hip hop entre otros, la música disco dio buena cuenta de ella al sustituir la batería acústica por este dispositivo, confiriéndole un sonido más potente y novedoso y que posteriormente se hibridó en estilos tan singulares como el house. Hay que matizar que desde un principio los sonidos de las cajas de ritmos analógicas eran tomados como burdas imitaciones de los acústicos, a menudo denostados por los percusionistas más ortodoxos. Incluso muchos músicos de los círculos electrónicos o dance se “pasaron” a la tecnología digital en cuanto ésta hizo aparición. La paradoja surgió a principios de los años 90 cuando se redescubrió el sonido analógico. Paralelamente a la proliferación de módulos y sintetizadores digitales con sonidos “vintage” se comenzaron a pagar cantidades exorbitadas por aparatos totalmente analógicos, entre ellos estas cajas de ritmos, llegando a surgir verdaderos puristas de este tipo de sonido.En la segunda mitad de los años 90 y en plena vorágine analógica la firma Roland presentó un nuevo dispositivo: la Groovebox MC-303, que pasaba por ser un híbrido entre caja de ritmos y sintetizador, permitiendo alterar los sonidos en tiempo real y con toda una recopilación sonora de sus máquinas analógicas (TR-808909606TB-303JunoSerie SH, etc.), que, aunque bastante complicada de programar causó cierto furor en un sector de la música electrónica que reclamaba un aparato donde se aunaran todos los sonidos analógicos de éxito.

Este nuevo híbrido entre caja de ritmos y sintetizador dio paso a toda una nueva generación de aparatos que pasaron a llamarse máquinas de grooves (groove machine en inglés), corriente a la que se sumaron otras marcas como Korg o Yamaha. Poco a poco la máquina de grooves, así como el incremento en prestaciones de secuenciadores soft y la tecnología de plug-in’s fueron comiéndole terreno a la caja de ritmos, aunque no se puede hablar de un declive propiamente dicho, sino más bien de una migración.

Cajas de ritmo consideradas históricas

En este vídeo puedes ver en funcionamiento una típica caja de ritmos, en una versión virtual recreada en un ordenador…



grabación digital del sonido

13 10 2010

La grabación digital de sonido es la grabación de sonido en la que se obtiene audio digital. Para ello, interviene un proceso previo de Conversión A/D (analógica-digital) y, una vez que obtenemos la señal digital, ésta es grabada sobre un soporte o medio. Lo que determina si estamos ante una grabación analógica o digital no es el soporte o medio, sino el tipo de señal grabada en él. Así por ejemplo podemos tener grabaciones digitales sobre cintas magnéticas como en el caso del DAT, etc.Señal digital. Si la señal analógica tenía una forma equivalente (análoga) a la señal que la había originado, la señal digital se traduce en códigos binarios que ya no tienen forma, sino que son una mera sucesión de ceros y unos (valores discretos).Conversión AD.  El proceso de traducir la señal analógica a digital se llama conversión AD y tiene tres fases:

  • Muestreo: se toma un determinado número de muestras por unidad de tiempo (44.100 muestras por segundo en CD-Audio), aunque se pueden utilizar tasas de muestreo más elevadas para registrar señales con componentes de frecuencias ultrasónicas o, para la misma banda de audiofrecuencias, permitir el uso de filtros sin retardo de grupo en toda la banda pasante y con pendientes de atenuación más suaves, sin el uso de técnicas de sobremuestreo.
  • Cuantificación: a cada muestra se le asigna un valor numérico, que se corresponde con el valor de tensión eléctrica de la señal analógica. Este valor se redondeará a un número entero que, en cada caso, dependerá del número de bits que estén disponibles para la codificación.
  • Codificación: los valores numéricos obtenidos en la cuantificación son traducidos a un determinado número de bits (generalmente 16, 20 o 24 bits de resolución).

Métodos de grabación digitalExisten 3 tipos de grabación digital:

  1. Grabación magnética digital: sobre soporte magnético, bien cinta como el DAT u otros formatos similares; o bien sobre soportes magnéticos informáticos como el disco flexible.
  2. Grabación óptica digital: la señal es grabada sobre el soporte de forma óptica, mediante un láser. Es el caso del CD.
  3. Grabación magneto-óptica digital: sistema combinado que graba de forma magnética, pero repoduce de forma óptica. Es el caso delminidisc o de los CD regrabables (CD-RW) y del propio disco duro de cualquier ordenador.

Formatos digitales

  1. Magnéticos:
    1. De bobina abierta:
      1. DASH
      2. ProDigi
    2. Modular multipista (MDM):
      1. ADAT
      2. DA-88
      3. DTRS
    3. De casete:
      1. DAT
      2. DCC
  1. Ópticos:
    1. CD-Audio
    2. Minidisc
    3. DVD-Audio