Speculum antiquitatis

Son  dos estatuas gemelas que muestran a Amenhotep III en posición sedente; sus manos reposan en las rodillas y su mirada se dirige hacia el Este, en dirección al río Nilo y al Sol naciente. Las estatuas están esculpidas en grandes bloques de cuarcita y las estatuas tienen una altura total de dieciocho metros.

Presidían la entrada al complejo funerario de Amenhotep III, que en aquellos días era el mayor y más espectacular de todo Egipto. Ocupaba un total de 35 hectáreas.

El historiador y geógrafo griego Estrabón explica que un terremoto, en el año 27 a. C., dañó a los colosos. Desde entonces se decía que las estatuas “cantaban” cada mañana al amanecer, concretamente, la estatua situada mas al sur. La explicación es que el cambio de temperatura, al comienzo del día, provocaba la evaporación del agua, que al salir por las fisuras del coloso producía el peculiar sonido. El emperador romano Septimio Severo nos privó de este fenómeno al restaurar la estatua en el siglo III d. C.El nombre “Colosos de Memnón” proviene del período helenístico. Los colosos fueron bautizados por los primeros viajeros griegos con tal nombre porque la pronunciación de «Phamenoth» (Amenofis), que escuchaban a los lugareños, les recordaba a la de Memnón un héroe griego de la guerra de Troya, rey de Etiopía, que llevó a sus ejércitos desde África hasta Asia para ayudar a defender la sitiada ciudad y que fue finalmente derrotado por Aquiles.

Pero hay otra explicación más romántica, Memnón era hijo de la diosa Aurora y se pensaba que estas colosales estartuas cantaban para saludar a su madre cada día.

 Nacio en Stockbridg en 1796  y empezó su carrera como pintor de decorados de escena en Escocia. En 1822 se trasladó a Londres para iniciarse en el aprendizaje de pintor. Su primera exhibición en Londres fue en la Sociedad de Artistas Británicos en 1824  Ese mismo año empezó a viajar en y visitó Francia, Gran Bretaña, Alemania, Francia y Países Bajos. En 1832  emprendió  un  viaje de dos años a través de España, en donde hizo  el descubrimiento de la luz; que va a cultivar después en su rica etapa de paisajista en los países de Oriente. Publicó Picturesque Sketches in Spain (Bocetos pintorescos de España) (1832 - 1833) publicados en 1837 y Views in the Holy Land (Vistas de Tierra Santa) (en seis volúmenes 1842-1849). Estos libros fueron una rica fuente de recursos durante toda su vida. Al contrario de los artistas de la Hermandad de Pre-Raphaelistas, Roberts, realizaba los bocetos y estudios sobre el terreno y los tomaba como base, para terminarlos en el estudio a la manera tradicional. Roberts era uno de los pintores de paisaje más cotizados de Inglaterra. El éxito espectacular de sus estampas consolidó su reputación como uno de los mejores paisajistas de su tiempo.
 

 Nacido en Dronrijp, pueblo frisón cerca de Leeuwarden, era hijo del notario Pieter Tadema, quien murió cuando Lawrence tenía sólo cuatro años. Alma era el nombre de su padrino. En principio, Lawrence tenía que seguir los pasos de su padre, pero al final se decantó por el arte y estudió pintura en Amberes
Su primer gran éxito fue el cuadro La educación de los niños Clovis (1861), que exhibió en Amberes. Al año siguiente, recibió su primera medalla de oro en Ámsterdam.
Pero destaca especialñmente pr sus pintura  inspiradas en la antiguedada egipcia o grecorrromana. Se asentó en la Inglaterra victoriana en donde trabajó al lado de pintores como Lord Frederic Leighton, tomando parte de ese movimiento que el critico William Gaunt define cómo el Olimpo Victoriano, es decir aquellos pintores herederos del espiritu clásico a partir de la influencia de los mármoles Elgin el la cultura inglesa.
 Fue nombrado caballero a los ochenta años.  Se hizo socio de la Royal Academy en 1876, y miembro en 1879.

Era un hombre robusto y corpulento, caballeroso y simpático. Le encantaban el vino, las mujeres y las fiestas.
 

OBRAS MITOLÓGICAS DE TIZIANO

Cuatro, fueron cuatro, las Dánaes que pintó Tziano.

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Los cuadros que Tiziano pintó inspirándose en Las Metamorfosis de Ovidio para decorar una cámara privada de Felipe II fueron denomimados por el propio pintor con el nombre de poesías.

El tema era común a todas ellas: el erotismo y la belleza de la mujer desnuda vista desde ángulos diferentes.

Al principio iban a ser cuatro; luego las pinturas fueron seis, relacionadas entre sí por parejas.

La primera fue una nueva versión de la Dánae que había pintado para la familia Farnesio y que actualmente se encuentra en Nápoles, en el Museo de Capodimonte. En el cuadro enviado a Felipe II, la columna y el Cupido desaparecieron y se muestra una vieja criada horrible que representa a la avaricia. También por contraste con esta figura se acentúa la hermosura y seducción de Dánae.

Este cuadro que representa a una mujer desnuda de frente se complementaba con Venus y Adonis, en el que la figura femenina aparece de espaldas. También este cuadro se inapira en un pasaje de Ovidio en el que la diosa intenta retener a su amante.

La idea de la complementariedad de los cuadros se ve clara en los titulados Diana y Calisto y Diana y Acteón. Estos giran en torno al mismo tema, la venganza desproporcinada de al diosa; tienen en mismo tamaño y las mismas tonalidades.

La inserción del mito en la naturaleza es similar, la presencia de la arquitectura, los cortinajes…hacen sin duda de los dos lienzos una pareja inseparable, con cierto regusto manierista.

lo mismo ocurre con los cuadros Perseo y Andrómeda y El rapto de Europa.

en el primero de estos dos cuadros Tiziano representa la lucha de Perseo contra el monstruo, mientras una estilizada Andrómeda encadenada a las rocas contempla el enfrentamiento. El joven se muestra en un escorzo forzado, lo mismo que el monstruo marino y la propia Andrómeda. De nuevo nos acercamos con estas dos pinturas al manierismo. La luz resbala por el cuerpo de la doncella haciéndola muy sensual. El resto de la composición queda en penumbra con lo que se acentúa un dramatismo próximo al barroco. los escasos colores y la pincelada suelta y rápida componen un cuadro tremndamente moderno.

El rapto de Europa se pinto en sustitución de la idea inicial que era Jasón y Medea. La violencia del rapto ha sido remarcada por el maestro al situar al toro y a la joven en primer plano, en una postura forzada, creando una acentuada diagonal definida por la sensual y bella figura de Europa. Los amorcillos que acompañan a Zeus refuerzan el movimiento del conjunto al igual que las telas al viento que permiten contemplar parte del cuerpo de la muchacha. Al fondo podemos apreciar el paisaje de la costa donde las compañeras de Europa observan con inquietud el rapto, gritando y realizando gestos ostentosos. El momento de tensión y dramatismo que se está viviendo ha sido interpretado de manera espectacular por el maestro veneciano, verdadero especialista en este tipo de trabajos, intensificándolo con la tormenta que se prepara tras las montañas.La luz y el color se convierten en los verdaderos protagonistas de la composición. Una luz dorada baña la escena, acentuando contrastes entre zonas de luz y sombra, al tiempo que se crea una perfecta sensación atmosférica. Los colores son bastante limitados, aplicándolos con fluidez y rapidez, consiguiendo efectos de abocetamiento, especialmente en el fondo. Vasari describía de esta manera la forma de trabajar de Tiziano: “pinta a través de toques, aparentemente largos brochazos, siguiendo un estilo de manchas que si bien no puede ser contemplado de cerca, es necesario alejarse para ver la obra en su perfección”. Cuando Rubens contempló esta obra en Madrid realizó una excelente copia que se guarda en el Prado.

PROSERPINA

 1874. Tate Gallery

La mitología cuenta que mientras Proserpina, hija de la diosa Ceres, recolectaba flores en el valle de Hena, en Sicilia, fue raptada por el dios del Tártaro, Plutón, que la arrastró en su carro a los infiernos; allí le dio a probar una semilla de granada, pues después de haber probado un bocado en el infierno era imposible salir de él. A pesar de ello Júpiter se ablandó ante los ruegos de la madre y se llegó al acuerdo de que la joven pasara la mitad del año bajo tierra y la otra mitad en la superficie. Es el mito que representa  a las estaciones. Sin embargo, Proserpina, o Perséfone, es también una diosa poderosa capaz de dominar la vida de los varones. Adonis, que le había sido entregado después del alumbramiento por su madre, Mirra, fue objeto de su capricho, y era compartido con la diosa Afrodita.[1] También hay numerosos textos que hablan de la unión incestuosa con su propio padre Zeus, de la cual nace el misterioso dios Zagreo. Ovidio en tres palabras nos dice que Júpiter poseyó en forma de serpiente a Proserpina (Varius Deoida serpens). Poseemos un soneto de Rossetti que explica el cuadro:

Afar away the light that brings cold cheer
unto this wall, - one instant and no more
admitted at my distant palace-door.
Afar the flowers of Enna from this drear.

dire fruit, which, tasted once, must thrall me here.
Afar those skies from this Tartarean grey
that chills me: and afar, how far away,
the nights that shall be from the days that were.

 Afar from mine own self I seem, and wing
strange ways in thought, and listen for a sign:
and still some heart unto some soul doth pine,
whose sounds mine inner sense is fain to bring,
continually together murmuring, -
“Woe’s me for thee, unhappy Proserpine!

   Desde lejos, la luz trae un frío hechizo hasta este muro; llega durante un instante, y no más, a la puerta de mi lejano palacio. Lejos de este fruto quedan las flores de Hena, de este funesto fruto, que una vez probado, aquí debe subyugarme. Qué lejos están aquellos cielos de este sombrío Tártaro que me deja helada; y lejos, qué lejos, las noches que podrían ser de los días que fueron. Qué lejos me veo de mi aspecto de entonces, y abrigo extrañas formas de pensamiento, y espero un signo, y todavía un corazón espera por un alma; mi propio sentir se complace al traer aquellos sonidos que murmuran continuamente:¡lo siento por ti, desgraciada Proserpina!                 

                (Traducción, Concepción García Fuertes)

  La mujer que posó para el cuadro es Jane Morris, la esposa de William Morris. Es el gran amor de Rossetti y la que más dominio ejerció sobre el alma del poeta. Los sonetos de La casa de la vida están dedicados a ella, y no a su esposa, Elizabeth Siddal, como habitualmente se piensa. La casa de la vida es Kelmscott, la residencia de Morris, en donde Rossetti permaneció varios meses mientras éste realizaba un viaje a Islandia para conocer la tierra de las sagas. El amor entre ellos estuvo lleno de obstáculos, y no sabemos si fue sólo espiritual. Aunque la modelo es Jane, las metáforas de la composición parecen referirse a la propia situación anímica del poeta en ese momento.   

 VENUS VERTICORDIA

Dante Gabriel Rossetti. Venus Verticordia. 1864-1868.

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